Reseña: EL ÚLTIMO LOBO

 Estreno en España el 10 de abril

Tras Siete años en el Tíbet, el director Jean-Jacques Annaud, junto a sus protagonistas Brad Pitt y David  Thewlis fue declarado Persona non grata y prohibida su entrada en China de por vida. Pero en 2012 fue invitado a formar parte, como presidente, del jurado del Festival Internacional de Cine de Shanghai y a dirigir esta coproducción entre Francia y China, con capital de una productora estatal. Una interesante historia que como siempre tiene tantas vertientes que un cierto halo de misterio nunca viene mal.

Ciñéndonos a la historia la elección de Annaud no es casual, teniendo en cuenta que uno de sus trabajos más reconocidos, El oso, o  Dos hermanos, nos mostraban la vida de unos animales (oso y tigres) desde su propio punto de vista, más en el caso de El oso que en la otra producción. En ese aspecto El último lobo, basada en una novela autobiográfica, se inclina más de la narrativa de Dos hermanos, teniendo al personaje humano como eje de la trama y al animal en un papel más secundario por decirlo así, como catalizador de cierta parte de la trama pero sin el protagonismo absoluto que podría pensarse en un principio al compararla con aquella. Ambientada en la Revolución Cultural, dos jóvenes estudiantes son enviados desde Pekín a Mongolia Interior para enseñar a los pastores pero pronto son imbuidos del espíritu de los mongoles aprendiendo ellos sobre esa vida teniendo uno de ellos una especial (y nunca bien explotad) relación con un lobo al que cría tras salvar su vida de las matanzas contra ellos.

Ignoro si el montaje que nos ha llegado a España es el mismo que ha sido estrenado en China, y aunque inocuo si hay algunos pequeños detalles que podrían resultar incómodos al gobierno chino pudiendo ser suavizados o directamente eliminados.  Entre ellos se encuentran pequeñas críticas a los funcionarios locales y sus prácticas oscuras y corruptas, expropiación de tierras sin compensación o nula sensibilidad hacia la naturaleza, solo vista esta por parte de los habitantes locales de etnia mongol. Sea como fuere todo pasa de puntillas y no representa más que puntos anecdóticos dentro de la trama

 

Al final sentimos cierta decepción por el devenir de la historia máxime teniendo en cuenta que de haber seguido la senda emprendida en su película tótem hubieramos tenido una historia mucho más interesante constreñida esta por tener que servir de vehículo a un documento previo, en este caso la novela. Aún así aprueba, se deja ver con bastanta agrado en alguno de los segmentos y por encima de todo esas estepas de la Mongolia Interior china y unos animales salvajes galopando al viento. de ritmo pero que al menos entretiene y hace pasar el rato.

Reseña: LA CASA DEL TEJADO ROJO

Estreno en España el 10 de abril

El veterano Yoji Yamada tiene el honor de ser uno de los directores japoneses que más películas estrenan en nuestro país, sea en cine (cinco hasta la fecha si mis cálculos son correctos) o en formato doméstico. Desde El ocaso del samurái hace una década tan solo una de sus películas (si no me equivoco Otōto) está inédita en nuestro país.

A caballo entre dos épocas y focalizada en los años previos y en plena Segunda Guerra Mundial, si una cosa hay que agradecer al director nipón es cierta mirada que incomodará a algunas personas y es, a través de la visión de diferentes personajes, la naturaleza del conflicto y el no querer afirmar que todo era blanco o negro. Ahí es donde se encuentran los puntos de mayor interés pues son tan extrapolables a los personajes que sufren verdaderos conflictos entre ellos y sus amores imposibles, correspondidos o no, fugaces o eternos.

 El principal problema de la película radica en su posicionamiento folletinesco, un melodrama alargado y repetitivo, carente de una tensión real y con la química poco conseguida. Es mucho más potente la escena del roce de las manos entre la criada y la señora que todos los momentos que comparten la señora y su amante, demasiado forzados. Podría afirmar que la sutilidad respecto al lesbianismo inherente en el personaje central de la película explotado en esa escena de tensión sexual entre ella y la amiga de su señora juega su favor pero creo que es al contrario, puede que por la visión de la sociedad japonesa sobre las diferentes tendencias sexuales, que no podría afirmar con seguridad, lo que perjudica a un personaje no bien dibujado y con demasiadas lagunas para que se pueda considerar del todo logrado.

Probablemente en manos de otro director menos experimentado y menos gusto por los detalles la película perdería muchos enteros, puesto que en el aspecto técnico es todo impecable, desde la ambientación, los encuadres, hecho que se eleva con ese fantástico plano secuencia que a la postre se revela como la escena más crucial de toda la película. Una decepción viniendo de quien viene pero digna de ver en definitiva.

Reseña: AGUAS TRANQUILAS

Estreno en España el 10 de abril

18 años después de convertirse en la cineasta más joven en conseguir la Caméra d'Or del Festival de Cannes, Naomi Kawase es una de las autoras japonesas más reconocidas a nivel mundial, al menos en el ámbito cinéfilo más autoral y festivalero. Aguas tranquilas es su segunda película estrenada en España tras El bosque del luto, hace poco más de siete años. Ponerme a enumerar sus película sería superfluo y carente de toda lógica, puesto que esta historia ambientada en la isla de Amami es mi primera incursión en el cine de la japonesa no teniendo referencias previas (y propias) de su trabajo. 

El cine asiático, o parte del cine asiático más bien dicho tiene su tempo, su manera de contar las historias de una forma más pausada y etérea. Una manera de narrar las historias poética en ocasiones e irritante en otras, sea debido a factores culturales y manera de vivir o a razones religiosas y filosóficas. Eso se ha convertido en algunos momentos en un fraude, en una manera de vender las historias a un occidente que anhela seguir viendo esa misma narrativa una y otra vez y que algunas veces resulta vacua y carente de interés. Valga el hecho de no ser realmente aficionado a este tipo de cine, si bien no todo me resulta así sino más bien el prefabricado.

 

En esta ocasión si entro en la historia, alejada de un protagonista alejado de los parámetros más japoneses, por decirlo de alguna manera, rebelde irrespetuoso hacia su divorciada madre, con la que vive y a la que no perdona su presunto romance con un hombre de la zona. Y entre esa historia, otra que nace, su amor por una joven compañera de escuela pero a la que su propia inexperiencia y rencor hacia su madre le hace no disfrutar de los primeros escarceos del amor y el sexo. El camino que tendrá que recorrer de sufrimiento en un entorno cerrado, precioso hasta que llega el tifón y luego convertido en una celda cuasi tropical no es sino un reflejo de una herida abierta sin sanar.

Lamentablemente el nivel baja a mitad de la cinta, de nuevo lastrada por una duración alargada de preocupante tendencia, y acaba con un final menos satisfactorio de lo previsto pero que consigue aprobar con nota. Una buena manera de entrar al universo de la directora.

Crónica Americana 2015 - 3ª parte

Se acabó la segunda edición del Festival Independiente de Cine Americano de Barcelona, el Americana, y primera a la que asisto. Una edición cuidada por parte de la organización y todos sus colaboradores que han conseguido crear un referente en este tipo de cine en la ciudad. En general, si bien mi relación con el "indie" estadounidense no es la mejor, la puedo catalogar de correcta desde el punto de vista cinematográfico con propuestas cuanto menos interesantes y tan solo un suspenso de las 14 que he visto durante el festival, pases de prensa, etc... Todo ello además de, lo más importante, poder reencontrarse de nuevo con amigos, tanto los que uno ve a menudo como a los que no. Y sin más preámbulos vamos con el pequeño repaso a las cinco últimas películas vistas del festival

El sueño americano también tiene su lado de pesadilla y en el documental Rich Hill tenemos buena cuenta de ello. Familias desestructuradas de ida y vuelta, enfermedades, abusos sexuales, coqueteos con las drogas, rebeldía. Todo dentro de un contexto social marginal de la llamada despectivamente por  parte de la sociedad "White Trash" (Basura blanca), gente de etnia blanca de bajos recursos y poca educación principalmente. Aquí seguimos a tres muchachos y sus respectivas familias bastante desgraciadas que no obstante y sin tratar de ser hiriente da la sensación de que los directores tocan el sensacionalismo pudiendo optar porqué la película fluya y buscando los peores momentos en cada situación. Interesante desde un punto de vista etnológico pero insuficiente desde el cinematográfico

Leland Orser es un secundario muy reconocible por los aficionados al cine estadounidense gracias a sus apariciones en multitud de películas si bien no de nombre seguro que si de apariencia. En esta ocasión su papel protagonista casi absoluto de la película (junto a la también conocida Mary Elizabeth Winstead) le otorga un plus con una actuación "fría" o "vigorosa" cuando lo requiere el personaje. Un experto en la psique humana con experiencia en desprogramar gente atrapada por las sectas y de capa caída acepta el encargo de unos padres para hacerlo con su hija. Pero atrapado por sus propios problemas personales y un duelo psicológico extremo descubrirá que quizás no es tan bueno.  Sin duda, Faults es una de las propuestas más estimulantes del festival en su concepción tal y como el argumento nos deja entrever, pero hacia el final, algo truculento por otra parte, comienzan a asomar los tics del cine "indie" que más me molestan y que aquí, por fortuna, no llegan a ser determinantes, quedando como simplemente anecdóticos. 

Enrevesada, loca y muy irregular es Wild Canaries, que combina el interés con el tedio y la intriga. En el edificio en el que vive una pareja no muy normal muere una vecina anciana. Todos creen que ha sido un accidente menos ella que imagina un asesinato por parte del hijo de la señora. A partir de ese momento comienza su propia investigación ayudada por la compañera de piso de la pareja en una trama que involucra además de a ellos al propietario del inmueble, su mujer, su amante y la exnovia lesbiana de su propio novio. Intento de comedia de equívocos, Wild Canaries puede presumir de tener momentos logrados con otros patéticos y al final quedar en tierra de nadie, entretenida pero excesivamente larga para lo que cuenta y, sobre todo, como lo cuenta llegando al aburrimiento al final de la cinta.

Las relaciones humanas siempre son complicadas y en la era tecnológica además más con la eclosión de internet, chats, páginas webs, redes sociales, han convertido el conocer gente en algo mucho más rápido y sencillo aunque sea desde la pantalla de un ordenador. Este es el caso, en The Heart Machine, de Cody que a través de una página web conoce a Virginia, neoyorquina como él y que se encuentra viviendo en Alemania durante unos meses. A través de esos meses, Cody comienza a sospechar que Virginia está en Nueva York y lo mantiene engañado comenzando una particular búsqueda para saber si es o no verdad. De nuevo a priori tenemos un argumento interesante que lamentablemente se desgasta conforme van pasando los minutos y lo que podría haber virado en múltiples direcciones acaba tomando el, en mi opinión, camino más fácil. No se puede decir que la película no tenga una buena factura e interpretaciones, es solida y correcta pero juega demasiado con la identificación de manera impostada y acaba pinchando en su desarrollo.

Y llegó la clausura del festival, que en un principio iba a ser Lost River, el debut en la dirección de Ryan Gosling y qué, según nos informó la organización, se cayó a última hora del festival por la negativa de Warner desde Estados Unidos a permitir su proyección pese al acuerdo con la distribuidora española, algo lamentable por parte de la productora estadounidense. En su lugar y a toda prisa, la escogida fue Selma, cuyo estreno español está previsto para el próximo 6 de marzo y que narra los momentos anteriores y posteriores a la marcha que transcurrió desde esa ciudad hasta la capital del Estado de Alabama, Montgomery, para reclamar que se cumpliera la ley del permiso de los negros al voto. Esa histórica marcha, que vino precedida de violencia estuvo encabezada por Martin Luther King, aquí encarnado de forma casi notable por David Oyewolo, actor británico cuyo trabajo imitando la forma de hablar de King es digno de mención. A pesar de no ser una gran película, lastrada en parte por ciertas elipsis y situaciones confusas, más enfocadas a un espectador estadounidense ampliamente conocedor de los hechos que a un neófito o poco conocedor, se ve agraciada por un reparto de campanillas que mantiene el tipo, con un Tim Roth sublime como hace tiempo que no se le veía. Asimismo la película toma cierta distancia y curiosamente se la podría acusar de algo blanda en lugar de lo más dura que podría haber llegado a ser. Una interesante película con una anécdota curiosa, en el documental Life Itsel, proyectado también en Americana Ava DuVernay, directora de esta Selma, hablaba de su relación con Ebert, al que conoció de niña y que luego apoyaría en su primera película como directora.

Crónica Americana 2015 - 2ª parte

La sinopsis de Kumiko, the Treasure Hunter en la que una mujer japonesa encuentra una cinta de VHS de la película Fargo creyendo que es real y que hay un tesoro escondido allí constituía un estimulante punto de partida. Todo eso más la estética y la participación de Rinko Kikuchi, correcta pero desaprovechada, prometía.

La acción está divida en dos partes; una primera en Tokio, a gusto de cierta parte del público occidental por el exotismo y la capacidad de atención hacia lo proveniente de Japón, y una segunda ambientada en la Minnesota rural. El lastre más grande de la película es el avance de la trama a saltos; en su primera parte japonesa, inexplicablemente alargada desde un punto de vista narrativo, asistimos a idas y venidas del trabajo a casa de la protagonista intentando infructuosamente poner al espectador en situación de la depresión que vive ella por una vida lejos de lo ideal pero que en realidad solo sirven para demostrarnos, como confirmaremos más adelante que padece algún desorden mental. De allí saltamos a la segunda parte, primero en el aeropuerto y luego en su búsqueda obsesiva-compulsiva llegando a rechazar la ayuda de algunos personajes a quienes ve como seres que la alejan de su objetivo entre algunas situaciones rocambolescas e insertadas para aligerar el tono del drama y que en mi opinión no funcionan.   

La "sorpresa para bien" de Americana para mi, precedida de malas críticas de gente con la que tengo gustos en común y parece que del público en general, fue Dear White People. Un desplazamiento de la problemática racial en Estados Unidos a una universidad elitista, con mayoría de estudiantes blancos pero con una representación heterogénea de afroamericanos. Sam White, una estudiante de gran popularidad con su programa de radio "Dear White People" gana las elecciones al hijo del decano y ex-novio suyo Troy. A partir de ese momento la tensión racial (e incluso dentro de la misma comunidad afroamericana) comienza a subir y las pasiones se desatan en diversos frentes hasta desembocar en la fiesta "afroamericana" que planean realizar un grupo de estudiantes blancos pintándose de negro, con caretas y burlas. A pesar de este argumento que invita a pensar en un drama tipo "Semillas de rencor" aquí el director se decanta por el humor y la sátira siguiendo, en cierta manera, el estilo del primer Spike Lee (antes de irse por otros derroteros) pero por otra parte alejándose también de él y consiguiendo cierta propia esencia no defensiva y con gotas de autocrítica. Una muy estimable película que parece no haber conseguido el reconocimiento adecuado y temo pasará bastante desapercibida.

Con Buzzard de nuevo, y salvando las distancias, nos encontramos con una película cortada por los patrones de Kumiko. Un personaje desquiciado (aquí más peligroso para los demás que para si mismo) y dos partes diferenciadas para establecer grandes contrastes. Un joven que trabaja en una entidad financiera de manera eventual y que se muestra como un "pasota" se dedica a pequeños trapicheos para sacarse un dinero extra. A raíz de quedarse con unos cheques de clientes comienza un descenso a la paranoia. Sin que venga muy bien a cuento y solo explicable por la locura del personaje, huye de su casa y se esconde en el sótano de la  de un compañero de trabajo (interpretado por el propio director de la película, Joel Potrykus). Hasta ahí la película aguanta bastante bien, la química entre Burge y Potrykus es estupenda y la confrontación entre ese par de seres inmaduros provoca no pocas risas, pero de nuevo se produce la huida y a partir de ese momento la soledad se convierte en la aliada del protagonista no funcionando tan bien, convirtiéndose todo en una tan solo excusa para un final bastante previsible y aderezado con la grotesca escena de los spaghettis que a los pocos segundos pierde su fuerza.

El interés de Night Moves está en la sinopsis, que no logra trasladar completamente a imágenes. Dos jóvenes activistas ecológicos se encuentran con otro de ellos, ex-marine, y planean volar una presa. Una vez juntos comienzan los preparativos y acaban consumando su objetivo lo que llevará a que alguno de ellos se sienta culpable, otro acorralado y la situación, a su ritmo eso sí, se vaya tornando cada vez más tensa.Quizás lo que demandaba esta película era lo que intenta Reichardt, ritmo pausado, realista pero mis sensaciones viran hacia el aburrimiento en toda la parte final. A eso no ayudan las interpretaciones, sobre todo de Jesse Eisenberg al que encuentro un actor completamente frío e inexpresivo la mayoría de las veces (incluido aquí) que aquí ya en el epílogo del film acaba en la caricatura. La química entre los diferentes protagonistas no existe y la decepción, tras un inicio prometedor, acaba adueñándose de la pantalla en dura pugna con el tedio.

Crónica Americana 2015 - 1ª parte

Tras la inauguración del día anterior llegaba por fin el festival en su máxima potencia. Nos quedaban por delante tres días repleto de cine, 16 propuestas inéditas de las que vimos 14 y reencuentro con amigos y conocidos. ¡Que más pedir!

Y ahora vamos con la primera de las tres crónicas

Que en 75 minutos una película te aburra no dice nada bueno de ella. Uncertain Terms se ha convertido por (de)méritos propios en la peor propuesta del festival y la única que he suspendido. Además de su pesado ritmo la historia de (bajas) pasiones entre el sobrino de la dueña de un refugio de jóvenes embarazadas, recién divorciado, y dos de esas chicas se convierte en un folletín televisivo lleno de imágenes que quieren aparentar ser trascendentales pero que no dejan de ser burdas maniobras destinadas a dar cierta ¿sensación de incomodidad? Si al final es más blanca que la navidad e inocua. Sin dar más detalles que puedan estropear el final de la cinta, la conclusión es impagable de lo grotesca y absurda.

Aquejado desde 2002 con un cáncer con el que convivió 11 años antes de fallecer el afamado e influyente crítico estadounidense Roger Ebert fue objeto de un documental rodado los últimos meses de su vida y dirigido por Steve James. Life Itself, llamada igual que las memorias de Ebert, es un legado de la obra de una persona que dedicó su vida al cine desde la barrera.

Ganador de un Pulitzer, Roger Ebert no es tratado como un hombre perfecto, de hecho durante la película somos testigos de muchos de sus defectos, sino como un hombre apasionado de su trabajo y de su vida, que encontró el amor de forma tardía pero que estuvo trabajando al pie del cañón hasta el final. Siempre bajo el hilo conductor de su enfermedad como narración central, sus diferentes segmentos nos muestran su inicio y evolución, su consagración, su rivalidad / amistad con Gene Siskel y los años posteriores a su boda y la muerte de Siskel. Si tuviera que decantarme por algo es en la parte en la que Ebert y Siskel comienzan su rivalidad siendo los dos críticos más influyentes de Chicago y, en general, de los Estados Unidos. Aquella fama les llevaría a compartir programas en un tandem que partía en muchos casos desde visiones opuestas y sus peleas verbales convertirse en míticas para aquella generación de estadounidenses. Pese a aquello su relación derivó a la amistad con un halo de amor-odio y provocaría una de las decisiones de Ebert para este documental: rodar sin cortapisas, contarlo todo. Un canto de amor al cine de un hombre que dejó un gran legado en su profesión y en sus seres queridos. ¡Pulgares arriba!

Uno tiene muchas veces ciertas fallas o carencias en el cine a pesar de verse puñados de películas. Y como no hay tiempo de verlo todo se escoge lo que más apetezca o se pueda ver en ese momento. Una de las tareas de los festivales, y en eso este Americana lo hace muy bien, es dar a conocer gente nueva o permitir rescatar algún trabajo de veteranos como en el caso de Bill Plymtpon, toda una institución a estas alturas y del que yo reconozco no haber visto nada hasta el momento (rozando el absurdo ya que tengo un autógrafo suyo conseguido en Sitges hace casi una década). Gracias al festival me he quitado esa espina con una obra excesiva, lisérgica y libre que lástima de hacerse un poco repetitiva no alcanza la excelencia. De todas maneras este amour fou llevado al límite es una de las mejores de la presente edición. Por si fuera poco Cheatin' consigue unos detalles geniales con ese toque de ciencia ficción y el final en el escenario que cierra el círculo. Y todo ello sin diálogos, solo con la fuerza de su imagen y sus potentes dibujos, desprovistos de toda proporción pero que no podían ser de otra forma. Una primera y estupenda toma de contacto con el director estadounidense que, probablemente, no dejará indiferente a la mayoría de público.

Uno de los defectos que le he encontrado a varias de las películas del festival es la excesiva duración de algunas de ellas para lo que cuentan y la forma en la que lo cuentan. Este "defecto" no es achacable al cine indie estadounidense tan solo sino a la mayoría de películas actuales, carentes en muchos de los casos de algo tan primordial como el ritmo. Desde luego que hay películas de diferente tempo pero cuando la sensación residual es la repetición, le entra a uno la sensación de una tendencia preocupante, más metraje = mayor calidad. Listen Up Philip adolece de esto aunque me haya parecido una buena película que se hubiera convertido en una grande eliminando cierta paja que puede llegar a mucha gente a catalogarla como pedante (cosa que no está alejada de la realidad pero de ciertos directores gusta) y aburrida. 

Un joven escritor egoísta y egocéntrico conoce a otro escritor mayor e igual de egoísta y egocéntrico que se convierte en su mentor en cierto modo. Ambos personajes viven en un mundo que no les comprende o que ellos  no comprenden. Aunque el personaje central sea el Philip, interpretado correctamente por Jason Schwartzman, en general acaba convirtiéndose en una película coral y dentro de un microcosmos que es representado por una ciudad asfixiante para la creatividad, una casa de campo estimulante y una universidad en la que quizás el maestro acaba aprendiendo, todo ello entre copas de buen vino y conversaciones más o menos profundas (o que lo pretenden). Cuanta más libertad manifiestan sus personajes el film funciona mejor pero cuando se ven constreñidos a ser de guión a gusto de los críticos más previsibles pierde fuelle. Me quedo en definitiva con su alma, más clásica, esa voz en off que interviene en momentos clave y la melancolía de algunos pasajes.

Inauguración Americana 2015: Today's the Day y Before I Disappear

Ayer comenzó la segunda edición del festival de cine independiente estadounidense Americana, que me perdí el año pasado por motivos que no vienen el caso. Vaya por delante qué, simplificando, no soy el mayor fan del cine independiente de EEUU en un contexto general, pero hoy en día probablemente uno no sea fan de ningún género, corriente o cinematografía per se. Como en todos los tipos de cine, sean de alto, de medio o de bajo presupuesto, el cine independiente estadounidense se mueve en géneros, predominando el drama pero con espacio para el humor e incluso el terror que ha experimentado una eclosión los últimos años. Dentro de esos géneros nos podemos encontrar obras apreciables y cerrarse a disfrutar un tipo de cine a menudo nos puede hacer perder maravillas o incluso simplemente pasar ratos entretenidos. Despreciar todo el cine "indie" sería tan absurdo como despreciar todo el cine "mainstream" por el simple hecho de ser lo que son y moverse en sus corrientes y sus lugares comunes. Quizás una de los alicientes de este cine más alejado de los cánones de la industria sea una cierta libertad, más atenuada en algunos casos y más liberada en otros. Y estoy seguro que en este Americana nos vamos a encontrar películas de todo tipo porque la programación sin duda estará cuidada sabiendo quienes están detrás de ello.

 

La encargada de inaugurar la películas, tras los consabidos parlamentos del presentador del evento, así como el representante de Movistar, la consul de los Estados Unidos, máximos patrocinadores y los directores del festival, Josep Machado y Xavi Lezcano fue Before I Disappear, dirigida, escrita y protagonizada por Shawn Christensen, en un auténtico yo me lo guiso y yo me lo como, y basada en su propio corto Curfew. Pero antes de que empezará y en colaboración con Filmets de Badalona se proyectó el corto musical Today's the Day, en el que un joven becario de una agencia de baile intentan encontrar el valor para hablar con el dueño y presentarse a la prueba para bailarín. Este corto nos demuestra como podemos pasar en 13 minutos de la genialidad a parecer un anuncio de Coca-Cola y a volver a subir. Con un mensaje positivista de que los sueños se pueden cumplir si pones empeño y luchas por ello al más puro estilo americano realmente no molesta y su factura técnica y coreografías son dignas de alabar.

 

Y con Before I Disappear, tenemos la historia de un tipo en apariencia mundano que planea suicidarse tras una dolorosa ruptura pero que en el momento culminante recibe una llamada de su hermana tras cinco años, pidiéndole que se ocupa de la hija de esta durante unas horas. A partir de ese momento Richie, el personaje interpretado por Christensen, en una ajustada interpretación, inicia un viaje de reencuentro consigo mismo a partir de la relación que en unas horas establece con su sobrina, niña superdotada en apariencia, e inmerso en una trama que coquetea con el thriller y el humor pero que se demuestra más un drama vital sobre la perdida de las ganas de vivir de una persona que ha tirado su vida por el desagüe... o la ha dejado ir, así como en la fuerza del (des)amor y lo que uno está dispuesto a hacer por ese sentimiento, mostrado tanto en el personaje de Richie como en el de Gideon, cada uno a su manera. De hecho, la sensación que me queda es qué la relación entre él y la niña, es en cierta manera un catalizador y en otra simplemente un macguffin para explorar esas otras vías que interesa más al director /actor. 

Al final nos queda una película perfectamente accesible para todo tipo de espectador y que sin duda y bajo mi humilde punto de vista es una acertada inauguración para el festival, muy importante esto para el devenir de los certámenes. Y aunque en determinados pasajes se dejan ver ciertos tics del cine "indie" y algunos aspectos de la trama no dejan de estar tratados de forma tangencial y pobre, así como cierta autocomplacencia estilística, el resultado final es francamente positivo, demostrando esa misma puesta en escena el talento del director que es aval para seguir su carrera en años sucesivos. Y por si fuera poco sale ¡Ron Perlman! que por sí solo es  motivo de regocijo.

Reseña: Capitán Harlock

Por Marckwire21

'Capitán Harlock' es una gran experiencia visual tan gratificantemente potente como narrativamente pobre e insulsa. Interesante y poco mas.

Un año y 4 meses mas tarde de su puesta en escena el 7 de septiembre de 2013 en Japón y tras ser estrenada en 2013 durante los festivales de Venecia, Hawaii o Sitges, el 30 de enero llega a los cines españoles el oscuro reboot en forma de largometraje del mítico manga creado por Leiji Matsumoto ('Galaxy Express 999' o 'Gun Frontier'), 'Uchu Kaizoku Captain Harlock' aka 'Space Pirate Captain Harlock'. Supervisada totalmente por el propio Matsumoto y producida por Toei Animation con un presupuesto de 30 millones de dolares (segundo mas alto en la historia de la compañía), cuenta con un trabajo de animación obra del equipo Marza Animation Planet, creadores entre otros de las CGI de apertura en videojuegos como la saga 'Sonic & Mario Go The Olympic/Winter Games', 'Virtua Fighter 5', 'Virtua Tennis 4' o 'Sonic Unleashed' entre otros. 'Capitán Harlock' es su segundo trabajo después de su participación en 'Sonic the Hedgehog', aun sin fecha de estreno. Dirigida por Shinji Aramaki, realizador entre otras de las 3 ultimas películas sobre 'Appleseed' (el manga obra de Masamune Shirow) y también el último de los cortos que aparecen en 'Halo Legends' así como 'Starship Troopers: Invasion', está escrita por Harutoshi Fukui ('Lorelei: The Witch of the Pacific Ocean '), que ha reescrito la historia para adaptarla a nuestro tiempo, y Kiyoto Takeuchi ('Appleseed Ex Machina'). Fotografía del debutante Kengo Takeuchi y banda sonora del colaborador habitual de Aramaki, el veterano y curtido en series y películas de superhéroes de televisión, Tetsuya Takahashi ('Ironman', 'Blade', 'Wolverine', 'X-Men'). 'Capitán Harlock'  obtuvo la nominación en los 37th Japan Academy Prize en la categoría Animation of the Year junto a la nominada al Oscar 'The Tale of Princess Kaguya' y al último trabajo de Miyazaki 'The Wind Rises' que fue quien ganó el premio finalmente. Además también se hizo con el premio Lumière en la categoría Best International 3D Feature – Animated de los 3D Creative Arts Award este 2014. La película goza de un enorme y curioso éxito en Italia donde ya es una de las películas japonesas que mas dinero ha recaudado en la historia del país de la bota con un total de 6.8 millones de dolares a finales de enero de 2014.

Como puede una película no conseguir sus metas económicas y de critica si en ella se han invertido años en su diseño y producción? Fácil, con un guión pobre. Así es como es como se estropea el gran trabajo de animación que hay en 'Capitán Harlock'. Una historia pobre e insulsa con escenas que no aportan nada como esa tan extraña donde vemos ducharse a Kei Yuki, sinceramente, hacia falta? Obviando a Harlock la película tiene a Yama, un sub protagonista que cambia de bando según el lado de la cama que se levante ese día y a través del cual iremos conociendo al mítico capitán, su tripulación, la nave Arcadia y la verdadera historia de la batalla de bienvenida. Lo único salvable y, ahí si que se puede decir que es un film redondo, es la animación de todo aquello que no conlleva la aparición de personajes, es decir, escenas espaciales, batallas, etc...El gran problema de la animación por CGI sigue siendo la artificialidad de los diseños de los protagonistas, y en 'Capitán Harlock' no es una excepción. Harlock como personaje principal esta genialmente diseñado, su capa, su parche, su siempre oscura presencia, sus pocas palabras, todo perfecto, pero cuando vemos esta animación en los secundarios que no se esconden bajo complementos como podría ser también Yattaran, es donde se ven esas carencias y esa artificialidad. Rostros mal detallados, sin arrugas, de movimientos robóticos y poco coordinados. Todo lo que pierden sus personajes lo ganan los escenarios, el espacio, todo aquello que no los incluye es de una oscura elegancia aturdidora muy disfrutable. Se puede intuir en los escenarios cierto aire a 'Final Fantasy' en esas dos escenas del jardín botánico al principio que parecen al el jardín de Balamb y la mítica apertura con Aeris y Cloud en la derrocada iglesia. También la ciudad redonda, digna antecesora de un Midgar en puro esplendor. Aramaki deberia echar un vistazo al film 'Final Fantasy: Advent Children', otra película donde el CGI esta perfectamente bien usado y en donde la historia es tan enriquecedora como para no dejar mal una de las sagas de videojuegos de rol mas grandes, por no decir la que más, de toda la historia. 

Comparaciones, evocaciones o similitudes al margen, la película del director japonés no deja de ser un bonito envoltorio sin la suficiente fuerza como para calar en el espectador y emocionarlo. Un intento mas de llevar la animación CGI a un nuevo nivel, no uno fallido, sino, uno más. Lástima porqué sus personajes y el mundo en el que se mueve esta 'Capitán Harlock' podrían haber dado para mucho mas que para un simple desfile de personajes míticos a los que se les a insuflado vida y lavado la cara.

Avance Festival Nits de CInema Oriental 2015

Pues sí, otro año más el ya imprescindible para el fan del cine asiático Festival Nits de Cinema Oriental calienta motores y ayer pudimos asistir a la rueda de prensa en la que se desveló el cartel y país invitado de ésta edición, India, representado por la cobra autóctona Naja Naja. Además tuvimos el placer de saber que el Festival junto a Tyrannosaurus Books ha creado un sello editorial llamado Nit Books y su primer libro será Wild Wild East: Del Curry Western al Soja Western, en el que Domingo López hará un repaso de los westerns asiáticos que se produjeron en países y regiones tan dispares como la India, Tailandia, Taiwán o Japón y que tiene la característica de ser el primer libro que se editará en el mundo sobre éste subgénero. Otra novedad del mismo es que será editado, como nos informó el director de las Nits Quim Crusellas, en una edición bilingüe castellano-catalán.

Aquí dejamos el teaser del festival en el que se pueden ver fragmentos de alguna de las películas que se podrán ver en del 14 al 19 de julio, fecha que hay que apuntar ya en la agenda. También se pudieron ver ayer los trailers completos de algunas de ellas, que no desvelaremos, que nos dejaron la boca hecha agua. ¡Te esperamos con ansias, julio!

 

Crónica de L’Alternativa 2014

En nuestro afán por visionar todo tipo de cine hemos asistido a la 21ª edición de L'Alternativa, un festival ya completamente consolidado tras sus ya más de dos décadas y que se aleja de cualquier otro tipo de programación más usual y accesible. Pero como hay que intentar ver de todo sea en pequeñas o grandes dosis allí estuvimos.

Touki Bouki (Djibril Diop Mambéty, 1973)

Surrealista visión de una África (concretamente Senegal) liberada hacía pocos años del colonialismo francés y que sigue las andanzas de una pareja que quiere salir de allí hacia la antigua metrópoli, representada por la machacona canción escogida sobre París y que se repite una y otra vez. En ese contexto Diop Mambéty arremete contra la propia sociedad senegalesa, con una parte, la rica, heredera del colonialismo y los favores policiales y otra, la pobre, anclada en unas tradiciones arcaicas y servidora de la otra en una continuidad clasista heredera del pasado colonial. Pasado colonial que se ve representado por ejemplo en una conversación de dos franceses y su visión etnocentrista y rayana en el racismo de su antigua colonia. Aunque no carece de interés tanto en su vertiente antropológica como en su visión de la situación coyuntural de la época al final sus particularismos pesan sobre ella y acaba aburriendo en ciertos instantes.

Sauerbruch Hutton Architekten (Harun Farocki, 2013)

El día día de un prestigioso despacho de arquitectos es la excusa para endosarnos un híbrido entre documental y publirreportaje que puede ser de algún interés para el amante de propuestas más extrañas o bien para los conocedores de los entresijos del mundo arquitectónico. Para mi y visto desde fuera no resulta más que un conjunto de escenas desencajadas que no me aportan nada ni cinematográficamente ni personalmente.

La petite vendeuse de soleil (Djibril Diop Mambéty, 1999)

A la postre lo mejor del festival fue este mediometraje y su estupenda protagonista. Una niña pobre y con dificultades de movilidad saca fuerzas para ser vendedora ambulante del periódico "Soleil" a pesar de los problemas que se encuentra en el camino tanto por sus problemas físicos como por la inquina de otros niños también vendedores de periódicos. Con una sensibilidad a prueba de azúcar y una visión crítica pero no sensacionalista de la situación en el Dakar de finales de los noventa ésta pequeña vendedora de sol queda como una necesaria y sencilla película para adentrarse en otras cinematografías menos conocidas.

Mille soleils (Mati Diop, 2013)

Mati Diop quiso rendir un homenaje a su fallecido tío con Mille soleils, una confrontación entre pasado y presente en el que aprovechando el cuarenta aniversario del estreno de Touki Bouki y su proyección homenaje reencontramos a su protagonista masculino en una fusión entre realidad y ficción, lo que fue y lo que pudo ser. Coqueteando con esa fina linea entre documental y ficción nos presenta a un Magaye Niang rememorando su pasado estelar en su Dakar natal. Convertido en un estimulante documento pero a todas luces fallido se podría destacar sobre todo la conversación telefónica ¿real? entre Nyang y su antigua compañera de reparto (y presunto objeto de deseo amoroso ¿no correspondido?)

Ventos de agosto (Gabriel Mascaro, 2014)

La sorpresa personal del festival, la brasileña Ventos de agosto, una película que en otro día de visionado me hubiera parecido infumable ya que tiene muchos de los ingredientes que rechazo, como los largos planos contemplativos o algunos momentos en que no entiendes que quieren contar, pero curiosamente tendría un buen día y conecté. Si, es contemplativa, aunque por suerte en sus planos pasan cosas… Me gusta el uso del sonido del viento, del mar, de cómo juega con él como si fuera un personaje más. Me gusta la historia, mínima pero interesante y con un par de toques de humor que funcionan. Y me gusta la actriz principal, Dandara De Morais, una belleza exótica. Más sensorial que narrativa. Esta vez compro.

Naomi Campbel (Nicolás Videla y Camila José Donoso, 2013

Para terminar con la presente edición del festival escogimos Naomi Campbel, película chilena de bajo presupuesto que sigue la vida diaria de una transexual apuntada a un concurso de televisión y así poder operarse gratuitamente. A partir de ese momento se articula un retrato con los tics típicos del cine de autor al concentrarse en un espacio marginal y un personaje alejado de lo que se entiende como normal en un cine más dirigido a masas. Dejando a un lado el interés social por alejar esos absurdos prejuicios, la película no deja de guiarse por lugares comunes y tópicos que actúan contra ella descuidando la función principal de la misma. Bajo mi humilde opinión, el necesario cine de denuncia sobre la discriminación de los colectivos debe poder articularse de una manera más correcta cinematográficamente hablando y no ceñirse a unos patrones que lastran el interés de la propuesta.

Crónica del Casa Asia Film Week 2014 - 2ª parte

Una crónica de Daniel Gálvez y John Prskalo

Y aquí tenemos la segunda y última entrega de lo visto en el Casa Asia Film Week 2014. En total entre los dos hemos visto 10 películas (más Giovanni's Island que pudimos ver el pasado Sitges) de temáticas y países diversos que nos han dado otra visión del cine asiático más alejada de lo habitual.

The Owners (Adilkhan Yerzhanov, 2014)

La disolución de la Unión Soviética fue un hecho traumático para varias de las repúblicas que formaban aquel país, entre ellas las asiáticas que pasaron de tener líderes comunistas a nacionalistas (los mismos, curiosamente). Ello provocó el surgimiento de unas oligarquías que a día de hoy y en países como Kazajistán siguen manejando la política y los negocios provocando un halo de modernidad sazonado con discriminación de todo tipo. En este caso una familia vuelve al hogar materno, ya sin la madre, para descubrir que está ocupada desde hace años por el hermano del jefe de policía local, policía devoto musulmán que adorna su despacho con un retrato de Lenin. En ese ambiente malsano y corrupto los tres hermanos irán descubriendo el infierno poco a poco bajo una óptica humorística, puesto que si ya en Borat, desde la parodia irreverente y ningún parecido con la realidad daba una imagen terrible de Kazajistán, The Owners aún la da peor en ese país que no se ha recuperado de su "libertad". Todo ello sazonado con un ambiente a lo Twin Peaks crean una mezcla que no acaba de funcionar pero que la hace al menos digna de verse por su rareza y por qué no, exotismo.

  

Comic 8 (Anggy Umbara, 2014)

Reconozco que antes de sentarme a ver esta película indonesia tenía muchos prejuicios, y no por su procedencia o por anteriores precedentes, si no porque reconozco no conectar mucho con el humor asiático. Y bueno, mi miedo se cumplió a medias. Comic 8 es entretenida, hay que reconocerlo, funcionando bien en su parte más de aventura y acción a lo Ocean’s Eleven. ¿Y la comedia que? pues 50/50. En algunos momentos te ríes y en otros pasas vergüenza ajena. Una vez más (curiosamente) me gusta bastante el leitmotiv de la banda sonora, potenciando la acción cada vez que se escucha. Buen montaje, trepidante dirección, buenos momentos y algún punto divertido. No apasiona pero cumple con su función, entretiene.

Beijing Flickers (Zhang Yuan, 2012)

Una megalópolis en la que viven más de veintiún millones de personas en un país en constante cambio y con unos valores cambiantes es el escenario donde transcurre esta película de seres perdidos. Dos amigos, una cantante y un joven que se gana la vida travistiéndose en espectaculos de época, son los protagonistas de una historia que matizando gira sobre todo alrededor de uno de los dos amigos, con el que empieza y termina la película. Y es que este joven, llegado de otra región como todos ellos y tantos habitantes de la urbe, empieza a caer en un precipicio tras la ruptura de su novio, la desaparición de su perro, la demolición de su vivienda y su despido del trabajo. A partir de ahí ¿que más queda? Y ese es el camino que tendrá que desandar hasta llegar a una conclusión ¿feliz? o quizás no pero que de una manera amarga demuestra que aún hay esperanza en la gente, en el mundo e incluso en esta perdida China contemporánea. 

Capitán Harlock (Shinji Aramaki, 2013)

La nueva aventura de Harlock, que se podría considerar un reboot de la popular saga ya que no guarda relación más allá de los personajes y algunas situaciones, no deja de de ser como ocurría en la reciente nueva aventura de Los Caballeros del Zodíaco un nuevo comienzo para audiencias diferentes de las originales contando con el hecho de que el fan la vería igual. El problema es que, tal y como pasaba con los mencionados caballeros, el espíritu original desaparece suplantado por un diseño apabullante y batallas espectaculares pero que al fin y al cabo acaban por saturar. ¿Entretenida? podría decirse que si, pero tal y como se ve se olvida.

Firestorm (Alan Yuen, 2013)

Acción y Hong Kong, palabras que en otra época significaban disfrute sin igual y que en el momento actual nos producen alguna satisfacción con cintas como The White Storm. Pero en el balance general que es el que nos importa y a pesar de contar con una rutilante estrella como Andy Lau, Firestorm se hunde, sin ser una mala película, en la lista de las inocuas producciones que nos dan una satisfacción pasajera pero que más allá de eso se desvanece. Demasiado larga para lo que cuenta y como lo cuenta su tramo final en el que parece despegar con una acción sin desenfreno se ve truncada por algo que resulta tan risible que no sabe uno si ponerse a llorar o a reír. 

Crónica del Casa Asia Film Week 2014 - 1ª parte

Una crónica de Daniel Gálvez y John Prskalo

Como prácticamente todo el mundo sabe, el Casa Asia Film Week nació hace tres años para paliar la desaparición del BAFF consiguiendo en su primera edición una buena programación y actividades paralelas interesantes, pero la coyuntura actual en la que nos encontramos hizo imposible su continuidad hasta que hace unos meses Casa Asia nos sorprendió comunicando su regreso. Pero a pesar de valorar el tener un festival asiático en esta ciudad el CAFW ha regresado diferente, cambiado por dentro y por fuera, con clara presencia de cine autor alejado de la esencia anterior. Bajo nuestra opinión debería haber una mezcla de todo tipo de cine pero al menos nos ha permitido ver cosas difíciles o imposibles de otro modo. 

Y aquí empezamos la crónica que estará divida en dos partes:

Seven Weeks (Nobuhiko Obayashi, 2014)

Antes de ponerme con mi opinión sobre la película me gustaría decir, que en mi humilde opinión, e independientemente de que guste o no, creo que poner como inauguración una película de 3 horas y que encima sea de ritmo, historia y formato tan atípica me parece un error ya que mucha gente que no conoce mucho el tipo de cine que se podrá ver en el festival va a la inauguración para ver una muestra de lo que se programa y justamente poner como muestra está película es muy arriesgado, y se demostró con las múltiples deserciones durante su metraje.

Y ahora al grano, opinemos de la película como tal. Seven Weeks es la última obra del veterano director japonés Nobuhiko Ôbayashi, autor de films tan poco convencionales como su obra más famosa House (1977) o esta que nos ocupa. Seven Weeks es una película que al principio consigue que conectes, gracias a su originalidad y a algunos toques de humor que funcionan. El problema es que conforme avanza la película, sus interminables tres horas, sus diálogos a ritmo de LSD (si parpadeas te pierdes media escena) y su montaje, sobre todo sonoro, te saca poco a poco de la película, llegando finalmente a desconectar y a darte igual el desarrollo de la historia y los personajes. Si destacaría dos puntos, aunque hasta en estos Ôbayashi se termina equivocando.

Primero el leitmotiv de la banda sonora y como aparece en pantalla. La música es bonita, lástima que use tantas veces el recurso de sacar la banda interpretando dicho leitmotiv frente a cámara. Acaba saturando. El segundo punto positivo es una escena en particular, cuando uno de nuestros protagonistas cuenta un hecho pasado cuando estaba en guerra. El montaje de esta escena y su estilo visual son potentes y muy acertados, lástima que sean 10 minutos de 171…

The Journey  (Keng Guan Chiu, 2014)

En ésta película que nos ocupa y pese a ser una película de clara factura asiática, concretamente malasia pero casi exclusivamente china, una de las comunidades más grandes del país, nos encontramos con un elemento de identificación y es el hecho de que uno de los tres protagonistas-pilares de la película sea un joven extranjero. A pesar de su desarrollo y filosofía ajenas este devenir de los acontecimientos a ojos de una persona tan perdida como podríamos estar nosotros ayuda a valorar la película de otro modo. The Journey no es una mala película, al contrario, sin llegar a destacar tiene una tierna historia, unos personajes que rezuman bondad y un aprovechamiento de los bellos parajes en los que se sitúa la acción. Se deja ver, es accesible y en ningún caso empalaga o molesta salvo algún detalle forzado que no echa por tierra el conjunto.

Haji Backpacker (Danial Rifki, 2014)

De Indonesia no conocemos mucho cine en España salvo las dos entregas de The Raid y alguna cinta de terror o thriller que se ha visto en festivales como el de Sitges. En esta ocasión nos encontramos con un drama existencialista que en sus primeros 30-40 minutos transita por lugares comunes e intenta ofrecer un retrato realista de un joven que ha perdido la fe con bastante acierto, todo sea dicho. Pero a partir de ese metraje nos encontramos con un panfleto religioso dirigido al público musulmán (no olvidemos que Indonesia es el país con más musulmanes del mundo) pero sin ningún atisbo de crítica o pensamiento divergente sino con unas directrices de las que no se puede salir con momentos tan vergonzosos como el secuestro del protagonista por parte de unos terroristas y cuya resolución es lamentable.

Humpty Sharma Ki Dubhania (Shashank Khaitan, 2014)

Típica comedia romántica india con su desarrollo estándar, sus canciones y su ración de personajes guapos. Pero en mi caso particular, y salvo excepciones, no comulgo con este tipo de películas que al final acaban siendo pesadas y, en cierta manera, repetitivas. Y no me refiero al cine de Bollywood en general sino a las comedias románticas indias en particular. Lo que si es cierto, al fin y al cabo, es que el aficionado quedará contento porque ofrece todo lo que se espera de esto y al fin y al cabo para lo que está hecha funciona y muy bien.

Wajma (Barmak Akram, 2013)

La película afgana Wajma, que a posteriori sería la ganadora del festival, es un correcto drama sobre la realidad que le toca vivir a la mujer en este país asiático. Al inicio, Barmak Akram nos muestra un Afganistán mucho más moderno y liberal del que estamos acostumbrados a ver, para poco a poco ir entrando en una realidad cultural muy alejada al pensamiento occidental y que provoca rechazo por nuestra parte. La película es interesante para ver como en otras culturas se enfrentan a problemas familiares, de amor o violencia, pero si le sacamos esa capa “exótica” no queda mucho más que un drama bastante típico y que no aporta mucho a otras películas similares producidas anteriormente. Vamos, que va a lo fácil y no arriesga.

Cobertura del Festival de Cine Fantástico de Sitges 2014 - 5ª parte

Y para terminar unos pocos datos de las películas vistas en el festival. En total el balance ha sido de 45 películas vistas de las programadas por el festival. 40 en el propio festival y 5 antes; R100 en el festival de Mar del Plata, The Midnight After y Killers en el FILMART de Hong Kong, The Raid 2 en Australia y Magical Girl en su correspondiente pase de prensa.

El top 10 es el siguiente:

1 - The Guest

2 - The Raid 2

3 - Magical Girl

4 - Relatos salvajes

5 - Réalité

6 - A Hard Day

7 - Aux yeux des vivants

8 - Map to the Stars

9 - Dead Snow 2

10-Dios local

En total divididas por procedencia tendríamos:

15 asiáticas

13 norteamericanas (EEUU y Canadá)

6 europeas (excluyendo España)

4 españolas

4 latinoamericanas

3 australianas

De ellas 4 animadas (3 asiáticas y 1 española) y 2 documentales (ambos australianos). Curiosamente las dos películas peor valoradas para mi del festival son The Satellite Girl and Cow Milk y Pos eso, ambas de animación.

Y a continuación para terminar, breves comentarios de las películas vistas con anterioridad, siendo en el caso de The Midnight After, Killers y R100 las reseñas de los otros festivales en los que las vi.  Están en orden de peor a mejor.

Killers (2014, The Mo Brothers)

Un psicópata japonés consigue llevar a su terreno a un periodista indonesio que pilla el gustillo de matar tras un hecho traumático. Poco creíble por la parte indonesia, la película se resentirá con el ridículo que va haciendo el japonés a medida que avanza el metraje. Al final la película se convierte en una nada continua y de lo más ramplona.

R100 (2013, Hitoshi Matsumoto)

Inclasificable, delirante y loca, mi primera aproximación al universo del japonés ha sido toda una experiencia. Realmente no la puedo catalogar como una mala película pero al reverso tampoco como buena, a pesar de sus dos o tres genialidades, como las partes de los productores mientras ven la película del director de 100 años y esos descansos en los que no dan crédito a lo que están viendo. Un reflejo de la mirada del espectador, atónito ante ese desvarío de dominatrices que van pasando por pantalla y humillando al protagonista, un pazguato que para qué, de las más diferentes maneras hasta llegar a ese clímax tan extraño y pasado de vueltas, acorde eso sí, con el resto de la película, no nos vayamos a creer.

The Midnight After (2014, Fruit Chan)

Con más capas de las que pudiera parecer a simple vista aunque bastante localista y floja en su desarrollo, The Midnight After entretiene pero queda lejos de sus objetivos. De nuevo sacando punta de su pertenencia a China y la falta de una cultura autóctona milenaria, este canto a Hong Kong por encima de todo es bonito pero insuficiente para considerarlo una buena película y es que los interrogantes de lo que está pasando o pasará deja a buena parte de la región nerviosa y confundida desde el mismo momento del anuncio de la retrocesión. Y los más de 100 años de colonialismo británico también pesan en la crisis de identidad continua de la población hongkonesa.

Magical Girl (2014, Carlos Vermut)

En un año prolífico y bueno para el cine español como hacía tiempo que no se veía, la coincidencia de propuestas buenas y muy buenas junto a otras no tan buenas pero si con elementos reseñables nos hacen tener esperanza en una época para olvidar en cuento a número de producciones. En este caso Carlos Vermut se consagra en su segunda película, si bien a mi su Diamond Flash no me gustó. En este caso si consigue pulir los defectos que le encontré a su anterior película y que lastraban lo reivindicable. A Magical Girl se le acusa de cierto formalismo para contentar al público más tradicional, o sea más accesible, y no estoy nada de acuerdo con esto sino que mientras que su opera prima era algo sin pulir aquí ya se encuentra cómodo desplegando su potencial. Es injusto y a la vez necesario recalcar la grandeza de José Sacristán sin menoscabo de los otros protagonistas, Bárbara Lennie, José Bermejo y la joven Lucia Pollán. Y más mérito si cabe tras un inicio de película en el que pensaba ¿que diantres estoy viendo? Por este camino el director español tiene mucho futuro. Estará seguro entre lo mejor del año.

The Raid 2: Berandal (2014, Gareth Evans)

La segunda mejor película del festival (y la tercera reseñada más arriba) no la vi en él sino durante mi vuelta al mundo que acabó en junio pasado. Una de las paradas de mi viaje fue en Australia y allí en Sidney, pocas horas después de llegar me encaminé a ver la secuela de la célebre en Sitges The Raid. Entre mi visionado y el pase en Sitges mucha gente la pudo ver en el Festival de Udine, el de cine fantástico de Madrid llamado Nocturna o por otras opciones como DVD o Blu-ray de importación o ya sabemos como. La cuestión es que ésta segunda parte no ha sido lo bien valorada que la primera por diversos motivos, pero para mi la supera pues construye una historia más trabajada, más pausada (por momentos) y adquiere entidad de película más allá de la acción. Una de las maneras que tenía Evans de continuar era seguir la estructura de la primera o desligarse y crear algo nuevo con los elementos anteriores y así es como empieza, justo después de la fatal redada. Tras una elipsis por motivos argumentales nos vamos sumergiendo en los bajos mundos de Yakarta pra acabar con la adrenalina a tope. Lástima que no vaya a haber estreno comercial en España, al menos esperemos que Sony se digne a editarla, ésta vez sí, en Blu-ray en España.