Estreno: Outrage

Más de dos años después con respecto a su premiere en el Festival de Cannes de 2010 y dos años de verse en Sitges, por fin se estrena en España Outrage, la penúltima ya película de Takeshi Kitano, de la que hemos podido ver recientemente la segunda parte y que servirá de preámbulo a las ediciones en DVD y Blu-ray. Con esta visión descarnada de la guerra entre yakuzas, Takeshi Kitano volvió a su sub-género fetiche pero dividiendo a crítica y público por su alejamiento de las formulas empleadas en sus anteriores aproximaciones a este tipo de historias.

Aquí podéis leer nuestras reseñas en Sitges 2010 y en el Festival de Cine de Autor 2011.

Crónica del Festival de Cine Fantástico de Sitges 2012: 4ª parte

Con este post acabamos el repaso por lo visto en esta edición del festival, una edición en la que se ha visto programado muchas (demasiadas) películas, en las que se han subsanado algunos errores, que aún así tendrán que mejorar, pero es un gran paso. Y como no, esos estupendos compañeros y amigos como Daniel Gálvez, David Amorós, Sandra, Alan Smithee, BCNdays, Alberto y más con los que hemos compartido sesiones y tertulias. Ahí estaremos el año que viene otra vez dando guerra.

Y aquí la última crónica:

LOOPER, de Rian Johnson

En un futuro no muy lejano viajar en el tiempo será una realidad. Pero será una operación ilegal, utilizada por el crimen organizado para enviar al pasado a aquellos individuos que les son molestos. Allí, un esbirro se deshace de ellos sin dejar huellas físicas ni temporales. Joe es uno de estos asesinos a sueldo, un looper eficaz y de sangre fría; pero cuando sus jefes decidan cerrar su “línea de trabajo”, 

En 2005, Rian Johnson causó sensación en la edición de aquel año de Sitges, y en 2012 lo ha vuelto a lograr, a tenor de los positivos comentarios de esta cinta. Sin ser una mala película, ni mucho menos, Looper me ha parecido una interesante y original propuesta que naufraga a mitad de película girando hacia terrenos más convencionales, y luego volviendo un poco a la senda original, pero cuando el regusto de lo que puedo haber sido y no fue. Todo el principio con las ejecuciones y esa dosificada tensión ante la aparición de Bruce Willis se salda con un notable, pero cuando comienza la persecución nos vamos a un esquema repetitivo que se sostiene ante la gran actuación del duo protagonista, más allá de las prótesis colocadas a Gordon-Levitt. Al menos lo que nos queda de esta Looper es que hay esperanza para un género tan denostado y apático en los últimos tiempos como el fantástico.

Nota: 6,5/10

THE THIEVES, de Choi Dong-hoon

Si Steven Soderbergh tuvo sus once ladrones de altos vuelos, Choi Dong-hoon (más conocido como el director de Woochi) tiene sus diez. Popie y sus compinches viajan a Macao para un trabajo. Cuando llegan, descubren que el que está detrás del golpe no es otro que el antiguo socio de Popie. El plan es robar un diamante que vale una fortuna y que es conocido como la “lágrima del sol”. Lo que ninguno de ellos sabe es que cada uno tiene su propio plan. Un thriller de acción, mentiras y guantes blancos.

Si Looper defraudó un poco, The Thieves para nada, da exactamente lo que se espera de ella, aunque eso no tenga que significar que es mejor o incluso una buena película. Se pasa el rato de manera entretenida, siendo un refrito de Ocean's Eleven (mejor que esta, eso sí) y Misión: Imposible, apoyada por algún que otro personaje carismático y uno de los actores asimismo más carismáticos de oriente, el gran Simon Yam. Cine fácilmente digerible y de consumo rápido, excepto su duración, 135 minutos, que son absolutamente excesivos para lo que cuentan. Planificar y ejecutar un robo puede llevar un buen trozo de metraje pero hay que ser más dinámico en otros momentos.

Nota: 6/10

OUTRAGE BEYOND

Sí, todos creímos que Beat Takeshi moría al final de Outrage. Pero la muerte es algo insignificante al lado de tan imponente figura, por lo que no nos debe sorprender encontrarnos de nuevo con él en esta secuela, dispuesto a alojar balas en el entrecejo de sus enemigos. Su personaje, Otomo, sale de la cárcel dispuesto a derrocar al clan Sanno, que lo dio por muerto años atrás. A esta venganza personal se suma una guerra entre familias rivales y, también, la ofensiva de las fuerzas de la ley contra el crimen organizado. 

Tras convertirse la primera parte en mi película favorita de Sitges 2010 y una de las del año, a pesar de no ser tan bien recibida por fans del autor, esta segunda parte de las andanzas de Otomo no me ha defraudado... y si, vamos a explicarlo. En si quizás es más película que la primera, más entidad, una subtrama sobre las corruptelas de la policía y su manga ancha con la yakuza, diálogos certeros y personajes sólidos en sus facetas. Pero no me ha gustado más que la primera precisamente porque esa solidez y esa sobriedad son demasiado mecánicas y se echan en falta la espontaneidad de la precedente y los carismáticos personajes que acompañan a Kitano, que aquí es cierto que alguno reaparece, pero desde luego no es lo mismo. Alegría y tristeza (cinematográficamente hablando) se dan la mano en esta recomendable propuesta.

Nota: 7,5/10

BESTIAS DEL SUR SALVAJE, de Benh Zeitlin

Las aguas van a subir, los animales salvajes retornan de sus tumbas y en el sur todos los diques se hunden. Esta es la historia de una niña de seis años llamada Hushpuppy, que vive con su padre en el borde del mundo. 

Tras las estupendas críticas en su pase en el Festival de San Sebastián, llegó el turno, como el año pasado The Artist, de ver este pase especial en Sitges. No sé exactamente como catalogar Bestias del sur salvaje, no es en absoluto una mala película aunque a mi no me haya llegado en su totalidad. Es probablemente una sorpresa que hay que ver sin referencias, y creo que esas referencias subieron las expectativas por verla y provocaron una desilusión tras el pase. De todas maneras, innumerables virtudes tiene la película, más que otras que intentan, o mejor dicho, te obligan a derramar lágrimas. Su sencillez, su canto a la vida en un mundo de muerte y su onirismo poético hacen que sea obligatorio su visionado y sufrir y disfrutar con la joven Hushpuppy y sus andanzas en ese mundo real-irreal.

Nota: 6,5/10

KEYHOLE, de Guy Maddin

 

Lejos del blanco y negro con aires al periodo del cine mudo al que nos tiene acostumbrados Guy Maddin, Keyhole evoca otro noir, el del cine de suspense. Eso sí, no abandona los tintes oníricos que impregnan cada una de sus películas. Ulises regresa a casa tras un tiempo ausente. Con él, llega una chica ahogada y un extraño hombre. La banda de Ulises ha estado sosteniendo el negocio.

Primera aproximación mía al cine de Guy Maddin, y primera en la frente. Visualmente arrolladora, psicodélica y lisérgica, mezclando cine experimental con clásicos de los años 40, daba la sensación de poder ser una maravilla. A los cinco minutos uno se da cuenta de que es una ida de olla de proporciones bíblicas y que todo lo que te están contando está tan desestructurado que no te enteras ni quien es ese personaje ni quien el otro. No sabes ni a donde van ni a donde vienen, y lo que es peor, no te importa absolutamente nada. Así es imposible poder seguir una película más bien hecha para presumir de lo bien que dirige y poder meterse con el que no haya entendido la película.

Nota: 3/10

SPRING BREAKERS, de Harmony Korine

Cuatro jovencitas estudiantes terminan presas tras ser encontradas en una casa repleta de drogas durante sus vacaciones de primavera (spring break). Pronto serán rescatadas por un traficante de armas y drogas que ve potencial en las jóvenes. 

Y llegamos al plato fuerte del festival, el engendro denominado Spring Breakers. Una película deudora del estilo videoclip que llegó a su auge en los años 80 con sus colores, sus neones y sus mujeres macizas. Claro, si Spring Breakers hubiera durado cinco minutos podría haber estado incluso aceptable, pero no, Korine se empeña en darnos 90 de puro sufrimiento audiovisual, repetición de escenas una y otra vez de cuerpos 10, repetición de diálogos "profundos" una y otra vez, todo ello con las ex-Disney Selena Gomez y Vanessa Hudgens, en un intento de escandalizar (supongo que eso puede ser posible en EEUU), más por la sugerencia que por lo mostrado, que al fin y al cabo está todo muy controlado y contenido, y para rematar la cancioncita de otra ex-Disney, la "ángel caído" Britney Spears, en una escena (pretendidamente seguro) ridícula. He de admitir que la machacona música que suena al principio me gusta, debo estar tarado de tanta película seguida, y la escena final es salvable en parte, ya que es deudora, como he dicho antes, de una estética decadente posmoderna que me marcó en mi tierna infancia ochentera, pero es que en esta ocasión no me llega a cuadrar del todo en el contexto del engendro en cuestión. Quizás también podría salvar a James Franco, para nada mal actor y arriesgado en la elección de sus papeles, alternando todo tipo de película, del blockbuster a cine minoritario, pero es que en esta película está tan pasado (puede que por exigencias del "guión") que al final da risa. Harmony, amigo mío, para crear un personaje tan espectacular como Tony Montana o una película tan genial como El precio del poder, no basta con poner un poster de la película, no. De todas maneras, hay que verla, levanta pasiones.

Nota: 0,5/10

WARRIOR, de Gavin O'Connor

Dispuesto a reconciliarse con su pasado, Tommy Riordan va a visitar a su padre, Paddy, un hombre de temperamento violento. Poco después, Tommy se apunta a un gimnasio donde, a las primeras de cambio, derriba a su contrincante. Con el vídeo de la pelea colgado en YouTube, la popularidad de Tommy gana enteros y este decide apuntarse a un torneo, con la idea de que, además, sea su padre quien lo entrene. Lo que ninguno de los dos espera es que en ese mismo torneo se presente Brendan, el hermano mayor de Tommy. 

Ya fuera del Festival, pero dentro de su programación, pude ver Warrior, gracias a la colaboración de la Filmoteca de Catalunya con el Festival y su sesión Seven Chances, así que paso a reseñarla aquí. Otra vez tenemos que sorprendernos con la distribución en España, ya que no ha sido estrenada comercialmente ni lo será, de hecho Canal Plus ya la ha emitido en su canal principal, lo que añade otro despropósito a una larga cadena. Con la excusa de una competición de Artes marciales mixtas, Warrior nos muestra a una familia desestructurada que se vuelve a reunir (no como en la mayoría de películas) para que cada uno expíe y purgue sus pecados. Dos hermanos y un padre ex-alcohólico que les destrozo la vida se ven así obligados a reencontrarse en el marco de la espectacularidad de la alta competición Con una duración de casi dos horas y media y que pasa en un suspiro la cinta contiene una carga profunda mucho más grande de la que parece a simple vista, y una crítica a las condiciones sociales que aletargan a la clase media-baja en los Estados Unidos y a la moral tan anodina y arcaica que sigue imperando en aquella sociedad desigual más interesada en el espectáculo que en sus propias vidas. Pero lo absolutamente impresionante son las increibles actuaciones del trío protagonista, Nick Nolte, el australiano Joel Edgerton y Tom Hardy, una autentica bestia (y también de cuerpo) de la interpretación. Imprescindible.

Nota: 9/10

Pues así termina nuestra crónica del Festival de Cine Fantastico de Sitges 2012, una edición con una irregular selección de películas pero con autenticas joyas. Antes de acabar recordar que tenéis muchas más opiniones en nuestro otro blog Cine Latino,, en Después de 1984, en Losthighway Blog y en El último blog a la izquierda. ¡¡¡Nos vemos en Sitges 2013!!!... si los mayas lo permiten.

Crónica del Festival de Cine Fantástico de Sitges 2012: 3ª parte

Pues hoy continuamos con la tercera y penúltima parte de la cobertura del Festival de Sitges 2012. Debido a la longitud al final hemos decidido dividir el post.

THE TALL MAN, de Pascal Laugier

En el pequeño pueblo de Cold Rock, la crisis parece haber tenido consecuencias más allá de la economía. La comunidad ha caído en una ruina total, lo que ha obligado a cerrar todas las escuelas; poco después, los niños empiezan a desaparecer uno a uno, y entre los lugareños corre el rumor de que detrás de estos raptos se encuentra una figura sobrehumana. 

Ya lo advertía Laugier al presentar la película, quien se esperara otra Martyrs se iba a quedar con un palmo de narices. Y a fe que es verdad, aunque maneja algunas semejanzas en el tratamiento, el resultado es completamente distinto. Irregular, se deja ver con cierto agrado, aunque al intentar acercarse a lugares comunes del cine estadounidense se convierte en una especie de variación-copia fallida. Interesante el giro hacia mitad de la película que la hace subir varios enteros.

Nota: 6/10

INVASOR, de Daniel Calparsoro

Tras un atentado que casi le cuesta la vida, Pablo, un médico militar español destinado en una misión internacional, regresa a casa convaleciente junto a su mujer y su hija. Al recuperar la memoria de lo ocurrido, Pablo sospecha que le están escondiendo información sobre las circunstancias del atentado y a pesar de la presión de los altos mandos, se niega a secundar la versión oficial poniendo en peligro su seguridad y la de su familia.

De manera parecida a la anterior, se trata de una aproximación al thriller militar en la linea de tantas y tantas películas estadounidenses. Si bien a aquellas las aprobamos no vemos porque no se debería hacer con esta, a pesar de sus claras deficiencias. Articulada en un competente reparto, sobre todo con los grandes Antonio de la Torre y Karra Elejalde, no defrauda el guión bien estructurado y el tratamiento del color le confiere una textura marcada e interesante. Lástima que sea eso, una historia vista mil veces que te deja un regusto amargo.

Nota: 6/10

EL BOSC, de Óscar Aibar

1936. Estalla la Guerra Civil. Las milicias anarquistas toman el poder en el Bajo Aragón. Allí, Ramón y su mujer Dora esconden un secreto ancestral: unas misteriosas luces que aparecen junto al bosque que rodea su masía. Según la tradición familiar, son una puerta a otro mundo del que nadie vuelve. Cuando un anarquista enamorado de Dora intenta acabar con Ramón, éste se ve obligado a entrar en las luces y desaparecer.

Una de las películas más originales (aunque basada en cuento) del cine español de los últimos años, esta mezcla de ciencia ficción y drama, nos sitúa en una España de la Guerra Civil alejada de los tópicos de este tipo de películas, que si bien no está todo lo aprovechada que debiera si que da un soplo de aire fresco a un sub-género tan anquilosado, y lo hace a través tanto de la metáfora como de la propia acción acontecida en la pantalla. El epílogo no es malo, pero si desconecta bastante del tono general de la película y descoloca.

Nota: 6,5/10

HOTEL TRANSILVANIA, de Genndy Tartakovsky

Desde su nacimiento, Mavis vive en un lujoso hotel, de nombre Transylvania, creado para proteger a los monstruos de la amenaza de los humanos. Mavis está a punto de cumplir la mayoría de edad (¡ni más ni menos que 118 años!) y su padre, el conde Drácula, le prepara una fiesta en la que no faltan los amigos más cercanos a la familia: desde Frankenstein al Hombre Invisible o la Momia, pasando por un humano que se ha colado en la celebración y que se enamorará de Mavis.

Con un punto de partida tan delirante como interesante, la película se dirige inexorablemente al tópico y a la infantalización. Cierto es que no hay nada de malo en ser producto de consumo infantil, pero si en que podría haber sido un producto disfrutable tanto por infantes como por adultos. Molesta esa sensación de poco riesgo, de ir a por lo seguro y que al fin y al cabo una buena película debería ser disfrutada por gente de cualquier edad y en cualquier momento. Pero bueno, al menos no es horrible, y está bien hecha y su look es superior a muchas de las películas de animación estadounidense, quitando Pixar y alguna que otra.

Nota: 4/10

SEVEN PSYCOPATHS, de Martin McDonagh

Marty es un guionista en apuros. Tiene entre manos un proyecto muy ambicioso que quiere convertir en la reflexión definitiva sobre el amor y la paz mundial. El problema es que no sabe como conseguirlo. Su mejor amigo, un actor de poca monta y delincuente ocasional, se propone echarle un cable.

Cada festival tiene su sorpresa, y para mi esta ha sido Seven Psycopaths, una película con ecos tarantinianos, de meta cine, y cimentada por un prodigioso guión, y la interpretación de tres monstruos de la pantalla, Sam Rockwell, Christopher Walken y Woody Harrelson.Incluso Colin Farrell, un actor limitado, está correcto en su papel y sale Olga Kurylenko, ¿quien da más?. Soy consciente de que es una película que caerá simpática y que probablemente no será reconocida como algo más, pero como el cine se basa también en la interpretación que cada uno haga de lo visto y los sentimientos que te genera, a mi me ha encantado. Y aún me gusta más que sea una película de la que no esperaba nada. Para mi imprescindible, de lo mejor del año.

Nota: 9/10

RUROUNI KENSHIN, de Keishi Ohtomo

Kenshin Himura es un antiguo samurai que hace algunos años era conocido como Hitokiri Battousai  debido a que fue uno de los guerreros más terribles de todo Japón. Con el paso del tiempo Kenshin decidió cambiar, por lo que prometió que no volvería a matar a nadie y que sólo usaría su fuerza para ayudar a quien lo necesitara, por eso viaja por Japón  junto con su espada de filo invertido como muestra de su promesa.

La adaptación a imagen real del manga que nos ocupa no se puede decir que sea una mala película en el sentido estricto de la palabra, pero si me de la sensación de que es un producto hecho para el disfrute de los fans, y yo no lo soy, por suerte o por desgracia. Vista desde una perspectiva neutra es una película alargada innecesariamente hasta las dos horas y cuatro de metraje que aburre soberanamente durante parte de la cinta y que cuenta con algunas peleas que tampoco aportan e demasía a lo ya visto anteriormente. Sin que sea algo positivo para la película, lo mejor de la cinta la bellisima Yu Aoi.

Nota: 5/10

PIETÁ, de Kim Ki-duk

Lee Kang-do trabaja cobrando deudas. Huérfano, su violencia es la de un hombre que nunca ha conocido el cariño ni la compasión. Un día, una enigmática mujer llama a su puerta, afirmando ser su madre. Desconfiado al principio, Kang-do irá desarrollando un sentimiento afectivo por ella. Hasta que, repentinamente, alguien la secuestra...

No soy fan de Kim Ki-duk, pero tampoco le tengo ningún tipo de manía cinematográfica, he disfrutado con películas como Hierro 3, Primavera, verano..., incluso con La isla, Time o Samaritan Girl y me he aburrido soberanamente con El arco o Aliento. Pero he de reconocer que cualquier película suya despierta interés. Finalmente, tras haber visto esta Pietà se acerca más a las segundas, sin llegar a tal extremo de sopor que a las primeras. Lo que cuenta la historia no me llega a interesar más allá del principio y su desarrollo áspero, seco y violento lo encuentro demasiado forzado e inconexo. Si que reconozco que es una alegría que Kim vuelva por sus fueros y recupere la fe en el cine, o más bien en su forma de hacer cine, por lo que no es descartable que en el futuro otras de sus obras sean mucho más valoradas por mi.

Nota: 5/10

Entre miércoles y jueves tendremos la última crónica del Festival, ya que aprovecharemos para ver Warrior en la Filmoteca de Catalunya, dentro de la sección Seven Chances, así que técnicamente sigue dentro del festival, y poder reseñarla.

Crónica del Festival de Cine Fantástico de Sitges 2012: 2ª parte

El viernes tenía que haber sido publicada esta segunda parte de la cobertura del Festival de Sitges, pero dificultades técnicas, o sea, no disponer de conexión a internet en el hotel de los horrores, ni por ordenador ni por móvil ni por nada, y el poco tiempo para poder escribir en la sala de prensa entre película y película lo han aplazado hasta hoy. Recordad que para más opiniones tenéis los extraordinarios Lost Highway Blog, Después de 1984, El último blog a la izquierda, y por supuesto, nuestro hermano Cine Latino.

Y aquí vamos con ello.

ROOM 237, de Rodney Ascher

Pocos se han percatado de ello, pero la verdad oculta tras las imágenes más populares de El resplandor nos conduce inevitablemente al Holocausto. O al viaje a la luna. O a un puñado de teorías, a cada cual más alocada. Si Kubrick controlaba hasta el más mínimo detalle... ¿Cómo pudo dejar escapar toda esa serie de indicios? Con materiales de la película y las voces en off de un grupo de entrevistados, Room 237 se adentra en las pequeñas brechas que se abren en el filme –desde errores de raccord a sus diversos interrogantes– para ahondar no sólo en una obra magna del terror, sino también en su dimensión mítica. 

Inclasificable y muy gratificante documental sobre El resplandor, una obra que treinta y dos años después de ser estrenada sigue siendo objeto de especulaciones, algunas más creíbles que otras, cierto es. Indudablemente, Stanley Kubrick ha sido un genio que ha trascendido a sus propias películas, gusten más o menos, sean mejores o peores. Y si el alunizaje fue realmente rodado y lo hizo él, como afirma el documental y que ha sido objeto de polémica durante años, olé.

Nota: 7/10

LA ARAÑA VAMPIRO, de Gabriel Medina

Un padre y su hijo buscan un lugar aislado, donde el niño pueda estar a salvo de los continuos ataques de pánico que padece. Así, llegan a una cabaña, donde ambos permanecerán solos ante la naturaleza. De esta tensión entre lo urbano y lo salvaje, nace La araña vampiro, cuyo título hace referencia a un gran arácnido con unas capacidades bastante... peculiares.

La película vino precedida por un interesante corto brasileño sobre una maestra que se encuentra con su doble, lo que se irá traduciendo en situaciones cada vez más extrañas y tenebrosas. Quizás lo peor es cierta frialdad en el tratamiento.

Nota: 6/10

En cuanto a La araña vampiro, cuyo punto de partida también es interesante, resulta ser la típica película que se pierde, se envuelve en si misma y en el no saber como avanzar la historia. Pues lo más fácil, alargar el segmento central de la película y a disfrutar del paisaje, que eso siempre ayuda cuando no sabes como quieres contar algo. Para ver y a otra cosa.

Nota: 5/10

LO IMPOSIBLE, de J.A. Bayona

A caballo entre la película de supervivencia y el melodrama familiar, Lo imposible parte de una historia real, la de una familia que sobrevivió al tsunami tailandés de 2004, para erigirse en una conmovedora reflexión sobre la pérdida, la importancia de los lazos afectivos y la condición humana. Áspera, hiperrealista, durísima en su recreación de la llegada de la ola y de sus primeros impactos geográficos, físicos y emocionales –se advierte la huella de Weir y de Malick, su manera de hablar de la naturaleza como algo poderoso e incontrolable–, Lo imposible muda poco a poco en melodrama. Un melodrama cuidado en el dibujo de los personajes, sus decisiones y las emociones que les acompañan en tan duro viaje.

Precedida por su pase en el Festival de San Sebastián y encendidos elogios, llegó a Sitges Lo imposible, una película fácil, muy fácil y muy accesible a todo tipo de público.Basada en una historia real y patrocinada por Coca-Cola de manera sutil, recordemos que es la chispa de la vida, y por Zurich Seguros, que hacen lo que sea por ti si tienes una buena cartera, de manera descarada, lo tiene todo a su favor para arrasar en cartelera y ganar alguna cosita. Lástima que yo deba ser un cínico, ya que el propio director la califica como "optimista y no apta para cínicos" ¡gracias por el piropo, J!, que no consigue emocionarse con algo tan forzado que me sentía como el Alex de La naranja mecánica recibiendo el Tratamiento Ludovico. No la suspendo porque está bien hecha y porque creo que sale el pez de Uncle Boonmee.

Nota: 5/10

E.T. el extraterreste, de Steven Spielberg

Elliott es un niño de ocho años que, un buen día, se encuentra con un extraterrestre. Tras el impacto inicial, Elliott lo esconderá en su casa, e intentarán averiguar la forma de que el pequeño y bondadoso alienígena regrese a su planeta. 

Treinta años después de su estreno, y conmemorando también los 100 años de Universal, dentro de la colaboración de Phenomena con el Festival tuvimos el placer de volver a ver E.T. en pantalla grande en una copia impoluta, con las frases originales y con las pistolas y escopetas de las que un día se arrepintió Spielberg y que luego se arrepintió de arrepentirse, afortunadamente. La película sigue siendo una maravilla técnica capaz de emocionar a gente de cualquier edad, y eso que habla de un extraterrestre borracho que se esconde en el armario. Supongo que eso es tener la capacidad de hacerlo, ya que para otras resulta "Imposible" convencer a cínicos como yo. Imprescindible.

Nota: 9/10

ACE ATTORNEY, de Takashi Miike

En su extensa filmografía, Takashi Miike ha realizado remakes de clásicos del cine japonés, adaptaciones de manga e, incluso, perversiones de géneros occidentales como el spaguetti western. Ahora traslada a la pantalla una popularísima saga de videojuegos ambientada en un futuro donde los juicios criminales se han convertido en desaforados procesos de tan solo tres días. Ante ese escenario, el joven abogado Phoenix Wright deberá sacar lo mejor de sí mismo para lograr resolver el misterioso asesinato de su mentor. 

Como casi siempre, TakashiMiike ha estrenado dos películas en el festival, y una de cal y otra de arena por lo que parece. Me alegro de haber acertado y ver esta Ace Attorney, adaptación de un videojuego, que bordea el ridículo pero tiene la extraordinaria capacidad de dar un giro cuando se encuentra en esos momentos. Sin duda, Japón is different, y eso se refleja para bien y para mal en su cine. Al contrario que en otras adaptaciones de lo que sea, Miike no ha facturado una película solo para fans. Momentos memorables los del Tejón Azul y el Loro, surrealismo al poder.

Nota: 7.5/10

10+10, de varios directores

Acunado desde el Taipei Golden Horse Film Festival, este proyecto tiene como principal vocación la de mostrar los rasgos más destacados de Taiwán. Para ello, se ha reunido a veinte de los directores representativos de la cinematografía taiwanesa. Cada uno de ellos firma un cortometraje de apenas cinco minutos. Las distintas piezas contienen señas de identidad distintas, en función del cineasta: comedia, thriller, monólogos, elementos del cine mudo... Hou Hsiao-hsien, uno de los hombres en el origen del proyecto, firma también uno de los cortos: La Belle époque.

La República de China (Taiwán), cumplió el pasado año los 100 años de existencia como Estado, primero en la China continental y después en la pequeña isla. Esta película de episodios, irregular como todas, habla sobre ello, la identidad taiwanesa, la identidad china, la identidad aborigen en una isla en la que conviven varias maneras de ver la vida y de sentirse como persona. Esta antología intenta dar una visión general de todo ello, pero lo consigue a medias por dicha irregularidad. Con unos cinco minutos cada uno, algunos enganchan, otros aburren y otros resultan indiferentes. La mejor: Unwritten Rules,en el que un grupo de cineastas tienen que encontrar la manera de poder quitar una bandera gigante de madera del Estado (y del Partido Nacionalista Chino) para rodar sin romperla. En clave de comedia ejemplifica la complejidad y la esquizofrenia identitaria de la isla. Para un fan de la geopolítica como yo es muy recomendable.

Nota: 5,5/10

Entre mañana y el martes la última parte con la recta final del Festival, un auténtico tour de force.

Crónica del Festival de Cine Fantástico de Sitges 2012: 1ª parte

De nuevo desde Asia Cine cubrimos el festival de cine fantástico más importante. Este año, a diferencia de los anteriores, no habrá post diario sino que estará dividido en cuatro partes, las dos primeras hoy y mañana, y las dos restantes a la finalización del festival.

 Como viene siendo habitual podéis encontrar mucha más información y críticas en nuestro otro blog, Cine Latino, en el que Daniel nos hace post diarios, así como en los imprescindibles Después de 1984 y Lost Highway Blog, que hacen lo propio, bajo la batuta de nuestros compañeros y amigos Alan Smithee, BCNdays y David Amorós.

Y ahora entramos en materia:

HOLY MOTORS, de Leos Carax

"Holy Motors" narra 24 horas en la vida de un ser con múltiples caras: asesino, mendigo, ejecutivo, monstruo, padre de familia... El protagonista tiene una identidad completamente distinta en cada una de estas vidas. Encarna personajes como si se tratase de una película dentro de una película. ¿Pero dónde están las cámaras, el equipo de cine, el escenógrafo? ¿Y dónde está su casa, su refugio?               

La primera película de la presente edición del festival vista por estos ojos mostró los aspectos positivos del cine de autor. Originalidad, universo propio, un alejamiento de los aspectos formales del cine industrial, una cierta dosis de mala leche y saltarse los márgenes de lo politicamente correcto sin dejarse seducir por lo fácil y sencillo. Cuidada, milimetrada e interesante, sin duda la película pierde un poco el rumbo sobre mitad de película, pero todos sus defectos se ven eclipsados por una grandiosa actuación del actor fetiche Denis Lavant, y una sapiencia a la hora de colocar la cámara del director francés.

 Nota: 7/10

V/H/S, de David Bruckner, Glenn Mcquaid, Radio Silence, Joe Swanberg, Adam Wingard y Ti West

Unos ladrones de poca monta son contratados para sustraer unas cintas de vídeo que se hallan en una casa abandonada. Al llegar allí, la banda comprende que el encargo no será tan sencillo como parece: en la casa les espera un cadáver rodeado de televisores y viejos VHS que contienen extrañas y aterradoras grabaciones. 

Con el estigma de las películas de episodios a cuestas, V/H/S logra superar a la media en una tarea prácticamente imposible, lo que se traduce en una estimable propuesta que homenajea a ese aparato que nos acompañó (o acompaña, yo aún tengo tres en casa), en nuestros primeros escarceos con los vídeos domésticos, y más meritorio aún si tenemos en cuenta que es del género found foootage, explotado hasta la saciedad en los últimos tiempos. Con un punto de partida estimulante y unas transiciones dinámicas, dos historias tienen el honor de ser las mejores, Amateur Night de David Bruckner, en la que unos adolescentes aprenderán a las malas que no es siempre recomendable una noche de sexo fácil, y 10/31/98, en la que un grupo de amigos que van a una fiesta de disfraces se colarán en la casa equivocada. Bastante recomendable.

Nota:6,5/1

AFTERSHOCK, de Nicolás López

Un joven apodado Gringo (Roth) está pasando unas vacaciones de lujo en Chile, pese a que no ha conseguido ligar con ninguna chica. Cuando él y sus amigos logren al fin que unas mozas los acompañen en el viaje, un terremoto convertirá las idílicas vacaciones en una auténtica pesadilla

Apadrinado en esta ocasión por Eli Roth, también actor de la cinta, López consigue un cocktail-refrito de varias películas ya vistas, pero que no molesta ni ofende. Es más, se deja ver con cierto agrado a pesar de la sensación de ya visto. Tras parecer al principio una prima de Resacón en Las Vegas, tras el maremoto (o tsunami en lenguaje cool), la cinta se convierte en una historia de supervivencia en la que no se vislumbran buenos momentos para el grupo protagonista, compuesto por un par de húngaras, una rusa ("nuestra" Natasha Yarovenko), dos chilenos (los habituales del director Ariel Levy y Nicolás Martínez) y el yankee interpretado por Roth, a quien David Schwimmer debería pedir royalties por calcar su papel de Ross Geller. Entretenida es, pero su falta de originalidad la condena a ser olvidada tras el visionado.

Nota: 5,5/10

 MOTORWAY, de Soi Cheang

Sean es un policía novato, ansioso por demostrar su destreza al volante. La oportunidad le llega al perseguir a Jensen, un “chofer de criminales” (sí, el mismo oficio que tenía el protagonista de Drive) que nunca ha sido atrapado. Tras una frenética carrera, Sean logra detenerlo; pero su alegría durará poco: todo formaba parte de un plan de Jensen para entrar en la cárcel y luego fugarse junto a otro recluso. Con el orgullo herido, Sean se dirige al veterano Lo, que durante años fue detrás de Jensen, para trazar un plan que haga caer al fittipaldi. 

De igual manera que la anterior película, nos encontramos con un producto de usar y tirar, que olvida los planteamientos básicos de una película, que son entretener y emocionar al espectador. A no ser, claro que uno sea un fanático de los coches y se conforme con eso. No se puede basar todo en lo bonita y espectacular que es Hong Kong y lo molones que son sus carreteras y sus coches. Carente de empatia para con el espectador y de un argumento minimamente coherente, Motorway se estrella, nunca mejor dicho, contra su propia productora, la Milkyway de Johnnie To, que en esta ocasión presenta la peor película vista de la factoría por el que esto escribe. De todas maneras no es una película horrible ya que al menos no está mal hecha.

Nota: 5/10

IRON SKY, de Timo Vuorensola

A finales de la Segunda Guerra Mundial un grupo de científicos nazis lanzaron un cohete en dirección a la cara oculta de la Luna. Una vez allí, establecieron un campamento secreto que les permitió recomponerse y formar un nuevo ejercito. 2018 es el año que han escogido para regresar a la Tierra, con una misión muy clara: dominar, de una vez por todas, a la Humanidad. 

Película Sitges al 100%, esta demencial comedia que no se casa con nadie, crítica y ácida, pero que al final es menos fiera de lo que se pinta, venia precedida por un argumento arrebatador con momentos de antología, pero que se ve lastrada por otros momentos que rayan en la vergüenza ajena y la hacen bajar el baremo de nota, también y sin duda beneficiada por el efecto Sitges, repleto de aplausos, risas, y también por el show de su director antes de la proyección y su reparto de camisetas. Curioso que gente saliera antes de acabar la proyección para agenciarse una. Desde luego Vuorensola se sabe vender.

Nota: 6/10

MANIAC, de Franck Khalfoun

Frank lleva una vida solitaria como propietario de una tienda de maniquíes. A primera vista, parece incapaz de matar una mosca. Sin embargo, hay algo profundamente turbador en su mirada; un secreto oscuro y perverso que resurgirá tras su encuentro con Anna, una joven artista acude a él en busca de ayuda para una exposición. 

Remake del mítico film de 1980 dirigido por William Lustig, presente en Sitges junto a Franck Khalfoun, su homónimo en el remake y Frodo Bol... perdón Elijah Wood, que presentaron la película y recibieron (el 1º y el 3º) sendos premios. Entrando en materia lo primero es dejar claro que no soy fan del original, la vi hace poco por primera vez, y está claramente envejecida, aunque de forma muy probable en su momento fuera vista con otros ojos, sobre todo en EEUU y Nueva York, con el auge de los asesinos en serie, como el Hijo de Sam. No puedo decir que este Maniac 2012 sea una película horrible, pero tampoco que sea buena. Me parece falta de ritmo, con un actor mediocre, que si bien es cierto no sale mucho, por el (exagerado) uso de la visión subjetiva, tanto su forma de interpretar con la voz como las contadas ocasiones que aparece mantiene un tono monocorde y alejado completamente de la realidad. Como datos positivos el alto grado de gore, violencia e incluso desnudos que la aleja de los parámetros actuales mucho más represivos (de manera indirecta) que en los ya lejanos 70's y 80's, y una estupenda banda sonora.

Nota: 5,5/10

Con Maniac terminamos la primera entrega de nuestra cobertura del Festival de Sitges. Mañana la segunda parte con más y mejores (solo alguna, para que nos vamos a engañar) películas.

Cerrado por vacaciones

 

Como os habréis dado cuenta los lectores del blog el ritmo de post estas últimas semanas ha sido muy reducido, debido a diversos factores, mucho trabajo, la dificultad de compaginarlo con los estudios que al final ha acabado pasando factura, y problemas personales. Todo ello ha impedido el buen funcionamiento del blog durante los últimos tiempos.

Al final la decisión ha sido tomarse unas vacaciones sin una fecha determinada de regreso, aunque la intención es volver lo antes posible con nuevas y buenas noticias sobre el cine asiático que más nos gusta. Espero que sigáis aquí cuando vuelva el blog a su actividad habitual y nos veamos muy pronto.

A todos los que les toquen ahora o en las próximas semana que tengáis buenas vacaciones, descanséis y desconectéis. ¡¡¡Nos vemos muy pronto!!!

Un abrazo.

Primer Festival Pirata de Cine Asiático

Desde hacía 13 largos años, 12 ediciones del BAFF y 1 del Casa Asia Film Week no nos encontrábamos en la Ciudad Condal sin un Festival de Cine Asiático. Para remediar esto nuestro compañero y amigo bloguero David Amorós ha decidido crear el Festival Pirata de Cine Asiático con una programación incomparable. Pero nos os dejéis engañar por el nombre, David, ante la imposibilidad de poder conseguir de manera "legal" muchas películas, nos da la oportunidad de conseguirlas por otros medios y poder disfrutar con subtítulos en nuestro idioma. Pero en las opciones que se puedan ver en medios de pago con audio o subtítulos en castellano David ha puesto estas opciones como las únicas.

La programación ha sido dividida en 8 secciones:

Inauguración.

Clausura.

Sección oficial, con 10 propuestas.

Sección paralela: grandes directores, otras 10.

País invitado: Corea del Sur. De nuevo 10

Retrospectiva temática: terror moderno, 10 más.

Retrospectiva director: Pen-ek Ratanaruang, 5 películas.

Sesiones especiales, 3 películas.

Para echarle un vistazo a  toda la programación y al estupendo post que se ha marcado David para presentar el Festival entrad a su estupendo blog, que merece mucho la pena.

http://losthighwayblog.blogspot.com.es/

Y como el mismo David dice, y estoy completamente de acuerdo con él, espero que el año que viene vuelva el Casa Asia Film Week con su segunda edición, y de nuevo de la mano de los geniales Enrique Garcelán y Gloria Fernández, de Casa Asia y cuya labor a favor del cine asiático ha sido impagable en nuestro país.

Y ahora a disfrutar del Festival.

Reseña: Esto no es una película

 

Es de sobra conocido por el cinéfilo más o menos informado, e incluso por otros sectores de la ciudadanía, del calvario que está sufriendo el reconocido director iraní Jafar Panahi con su condena de seis años de prisión y veinte sin poder realizar películas. El propio Panahi, con la ayuda de otro director con problemas, Mojtaba Mirtahmasb, decidió rodar este documento durante un par de días en su casa mientras esperaba la confirmación del veredicto.

Encerrado en su lujoso apartamento, Panahi va desde la angustia, como muestra la conversación con su abogada, hasta la reflexión sobre su situación y en un momento dado, pretende recrear en su salón la película que quería rodar cuando fue inhabilitado, un instante en el que se mezcla el propio documental con imágenes del director visitando la localización principal del proyecto frustrado. Manteniendo, pese a la situación, cierta ironía bastante sutil, se acaba derrumbando y llegando a la conclusión de que una película solo se puede contar por imágenes y no con una rudimentaria recreación. Poner secuencias de otras de sus películas en el DVD solo le produce una frustración inmensa al saber que probablemente jamás, al menos en su país, podrá recrear esa vida en una pantalla de cine y es en ese momento cuando vemos que la injusticia cometida con ese hombre le priva de lo que le gusta y sabe hacer, en definitiva de -prácticamente- su vida. Una vida acabada por designios políticos de un Estado empeñado en poner cortapisas a la cultura que sea crítica con el régimen. De todas maneras lo poco que alcanzamos a conocer de Irán tampoco nos invita a la reflexión puesto que los clichés y tópicos se acumulan por doquier dependiendo de a quien interese. Lo más que podemos hacer nosotros como espectadores es empatizar con el director, quien por otra parte puede ser utilizado a conveniencia por ciertos sectores y después abandonado a su suerte, lo que le acaba dejando en tierra de nadie. Una pena.

Panahi nos resuelve la ecuación con una parte final muy buena, toda la secuencia del ascensor, y sobre todo, la parte final fuera con los disturbios, que nos acerca un resquicio para que las cosas cambien, aunque desgraciadamente la violencia aparece en (casi) todas las revoluciones, ¿como mal menor a toda esa represión reinante en la república islámica?. Todo este segmento, con solo una cámara (y al principio con un iPhone), nos da una idea de la capacidad narrativa de un director del que esperemos, de una manera o de otra, poder ver volver al mando de un equipo cinematográfico para radiografiar la realidad de su país o de cualquier tema que en sus manos pueda ser interesante. Será señal de que los tiempos han cambiado (y para mejor), en ese país del Asia Central.

Crónica del Festival de Cine y Derechos Humanos de Barcelona 2012

 

Siguiendo un poco el recorrido de los festivales en la Ciudad Condal hemos tenido la fortuna de participar en la cobertura de un festival necesario, el Festival de Cine y Derechos Humanos, que se celebra simultáneamente en París y Nueva York. 

Aquí dejamos la reseña del Festival, para ver más propuestas o diferentes opiniones podéis entrar en nuestro otro blog, Cine Latino, con las crónicas de Daniel, o la inauguración por parte de nuestro amigo David del blog Lost Highway.

My Tehran For Sale

Marzieh es una joven actriz que vive en Teherán. Las autoridades prohíben su obra teatral y, al igual que toda la juventud en Irán, es forzada a mantener en secreto sus trabajos para poder expresarse artísticamente. En una "rave" clandestina, conoce a Saman, un joven iraní que vive en Australia y le ofrece una vía para dejar el país y poder continuar su vida sin miedo a nada.

Precedido por un corto bastante flojo, My Tehran For Sale es un fallido intento de denunciar la situación que se vive en Irán por parte, en este caso, de los artistas que se ven reprimidos a la hora de expresarse artísticamente por la censura y los mandatos islámicos llevados a un extremo asfixiante y agotador, en el que la única salida es el intento de salir del país. Farragosa y aburrida en la mayor parte de su metraje, un montaje caótico y la alternancia de escenas superfluas crean una mezcolanza de esas que gustan en Occidente tan solo por su crítica hacia un Estado anacrónico en muchos aspectos como el iraní, pero olvidando que la crítica no tiene que ser aburrida ni carente de interés. Lástima que algunos autores, no solo iranís, han descubierto el filón para ser valorados en Europa o Estados Unidos. Lo siento, pero el cine de denuncia es necesario, pero sin olvidar lo que es, un arte que debe ser cuidado.

Togetherness Supreme

Basada en hechos reales, Suprema solidaridad es la historia de Kamau, un artista que se rebela contra su padre y su tribu para reunirse con su amigo Otieno. Juntos se lanzan a un combate político para luchar contra la pobreza. Pero Kamau y Otieno se ven envueltos en el conflicto étnico que destroza el país. Además, ambos están enamorados de Alice, la hija de un pastor. Después de que las elecciones presidenciales sean impugnadas, los barrios populares se alzan y Kamau ve cómo su mundo se derrumba.

Antes de ver la película keniata, coproducida con Venezuela, dos pequeños cortos, Wrong Game, sobre niños soldado y de animación, nada que objetar, excepto que simplemente parecía un anuncio, y Gap, bastante justito, pero poco se puede decir debido a su corta duración, sin tiempo de desarrollarlo. En cuanto a la película en si, podemos decir que es bastante interesante. Toca un tema polémico y muy común en ciertos países, el fraude electoral y la situación en los barrios más marginales de las ciudades africanas, en los que miembros de diferentes etnias y con ancestrales disputas acaban siempre llegando a tristes desenlaces provocando miles de desplazados o bajo gobiernos discriminatorios hacia los otros. Togetherness Supreme es una película dinámica con algunas deficiencias, probablemente debidas a la falta de presupuesto y medios, pero que sale muy airosa por el talento de su director y la frescura de sus intérpretes, surgidos del propio barrio en el que se desarrolla la historia. 

Black Blood

Aquí vamos al revés, el corto es lo bueno y la película, lo malo. Objection VI es un corto basado en la historia real de un nigeriano y su deportación de Suiza el año 2010 con trágico desenlace. El uso de la cámara subjetiva durante el 99% del corto es un acierto y muy necesario para poder ver la situación desde el punto de vista del personaje y su drama. En cuanto a la película china, es una pena, pero las dos propuestas asiáticas que vimos son de muy mala calidad, si la iraní era floja, ésta directamente es patética, y me sabe muy mal decirlo. Aburrida, lenta, repetitiva, etc... si el director quería demostrar la soledad de una perdida aldea rural en China no hacían falta los planos largos de 5 minutos mínimo, se puede ser mucho más sutil sin dejar la cámara quieta todo ese tiempo y hacer que los intérpretes una y otra vez repitan el mismo ritual. Pero no, que sea una película aburrida y contemplativa no es suficiente, el director y guionista se empeña en hundirse más allá con la increíble previsibilidad de la cinta. Y no me vale que era lógico que pasara lo que pasa. Hacer cine realista no implica ni hacer cine aburrido ni previsible, lo que demuestra en todo caso es, o bien su nula capacidad de urdir una trama que interese lo más mínimo, o es que dándole el pescadito a los de siempreya se considere con el deber cumplido. Sin duda, una de las peores películas que he visto en mucho tiempo, o siempre.

Fish'N' Chips

Justo antes se emitió otro corto, Wir sind es leid wegzulaufen, sobre la situación en la región senegalesa de la Casamanza. Presentado por su director, Markus Rudolf, es un corto documental necesario pero precisamente corto al que le faltan elementos de juicio para poder valorarlo en su justa medida. En cuanto a la película chipriota es una apuesta sin duda comercial, con su mezcla de drama y comedia, pero que funciona bastante bien, y si bien le cuesta adentrarse en la raíz del conflicto o incluso en las consecuencias de hoy en día, más que una película sobre Derechos Humanos, es más un tratado sobre la identidad, ¿se es de donde se nace, de donde se vive, de ambos lugares?. Preguntas con difícil respuesta que probablemente difieran depende de cada caso en concreto, pero que se acentúan en la trama constantemente y que no se convierten en un cliché debido al equilibrio narrativo de la película y a los elementos cómicos que desdramatizan buena parte de los momentos más dramáticos. Interesante y bien hecha es la mejor película del festival de las que hemos visto, que nos deja un balance estable.

Como conclusión, comprendemos lo difícil que es aunar calidad y compromiso en un Festival de este tipo puesto que muchas de las películas hechas hoy en día en el mundo no pueden tener cabida, pero si que ha guardado un equilibrio. Y aún más, es un festival necesario para comprender y descubrir injusticias en el mundo que nos pueden ayudar a abrir un poco más los ojos.

Reseña: Life Without Principle

En su ya penúltima película, ya que en Udine se vio la última, Romancing in Thin Air, y tiene dos en espera, Drug War, en plena China continental y Blind Detective, de nuevo con Andy Lau y Sammi Cheng haciendo pareja, Johnnie To vuelve al thriller, pero no a uno corriente, ya que aquí se maneja entre los entresijos del mundo financiero y en los momentos previos al estallido de la crisis. Tres personajes son el hilo de la historia, una empleada de banco, un gangster de poca monta y un policía, que critica de manera clara y sencilla el funcionamiento del mundo financiero y carga contra ellos, no siendo en si misma una película de denuncia, pero viéndola uno se carga de razones para afirmar que los bancos son los ladrones (legales, eso sí), más grandes que hay sueltos. La película, y es lo que puede descolocar a más de un espectador, pese a su sencillez, es el formato en el que está estructurada la acción, separada en tres capítulos, podríamos decir, cada uno dedicado (no completamente) a uno de los personajes, que al final tienen un sentido completo y que, salvo un par de detalles encajan como un guante.

Sobre el apartado técnico no hay mucho que decir, es una obra completamente To, podríamos decir incluso Milkyway, pero el genio hongkonés le añade un plus a los encuadres de esa ciudad que tanto adora y de la que sabe sacar partido de toda ella, sea en las zonas altas o en los bajos fondos que no consiguen otros directores de la factoría. Ahora tendremos que fijarnos que hace en Tianjin, porque a pesar de haber rodado en otras ciudades chinas, en esta ocasión le toca lidiar con una gran ciudad continental, todo un reto, amén de tener la curiosidad de saber que pasará con la censura china, ¿habrá dos versiones de la cinta?. Alejándonos de la divagación que no tiene que ver con la reseña, Life Without Principle es un soplo de aire fresco, que de igual manera que en muchas otras películas del director hongkonés tiene en Lau Ching-Wan un gran baluarte, en esta ocasión con un tic ocular que le añade más matices a su personaje, pero que sin este extraordinario actor sin ninguna duda sería lo mismo.

En general, una más que interesante película de uno de los mejores directores asiáticos de la actualidad y que pese a no ser tan buena como otras anteriores y es una pena porque ha estado a punto. Y es que nos ha malacostumbrado tanto To que pasan estas cosas.

Sadako se apunta el beisbol

Hace varios días en el partido de beisbol que enfrentaba en el Tokyo Dome a los Hokkaido Nippon Ham Fighters y a los Chiba Lotte Marines el saque de honor correspondió a... Sadako.

Como parte de la campaña de promoción de la nueva entrega, Sadako 3D, de la saga por excelencia de terror japonesa de los últimos 14 años, se realizó este divertido evento, muy en la línea del humor absurdo japonés. Pero eso sí, merece la pena verlo.

 

Reseña: Revenge, a Love Story

Como comentamos hace unos días ha sido sorprendente (y estimulante) el estreno de esta película de Hong Kong en nuestras pantallas. Pese a ser tan solo en Madrid y Barcelona, y próximamente en Lleida, el hecho de poder ver este tipo de cine en pantallas y más tratándose de toda una Categoría III nos produce satisfacción y más aun saber que va a ser también distribuida en DVD y Blu-ray.

En cuanto a la película en si, no deja de ser una propuesta irregular, con muy buenos detalles y otros poco explotados. La historia de amor entre los dos personajes con cierto grado de retraso mental, sobre todo ella, es algo cogida con pinzas o poco desarrollada, y el inserto de flashbacks tiene un problema extendido a muchos otras películas, la acción que se cuenta suele estar restringida a un corto intervalo de tiempo, lo que dificulta la veracidad de la historia a ojos del espectador. Otra cosa es que funcionen en si mismas las escenas, que lo hacen en determinados momentos como la secuencia en la comisaría, de una dureza y crueldad muy visuales.

Los platos fuertes de la película se circunscriben en general al principio y al final. En el segmento que abre la película tenemos varias escenas impactantes, sobre todo la muerte de uno de los policías en su casa y el interrogatorio del personaje interpretado por Juno Mak, muy logrados. Ya en el final, el climax entre los dos personajes antagónicos es extraordinario, si obviamos el final en si mismo, demasiado cogido con pinzas, que pretende ser transgresor y queda fuera de lugar, máxime comparado con lo precedente.

Pero en global sin duda una propuesta más que interesante que todo aficionado al cine asiático que pueda debería ir a ver y apoyar la labor de distribuidoras como Atrium y su esfuerzo por traernos este tipo de películas.

Reseña: La monja enterrada en vida

Hoy hablaremos, aunque no parezca tener a priori que ver con la temática del blog, de la obra teatral La monja enterrada en vida, dirigida por los jóvenes Nao Albet y Marcel Borràs, que pudimos disfrutar el pasado miércoles en La Seca: Espai Brossa.

Basada en la obra del dramaturgo catalán Jaume Piquet, La monja enterrada en vida o secrets de aquell convent, esta adaptación moderna tiene muchos puntos en conexión con Asia. Desde la actriz principal, la china residente en Barcelona Shang-Ye, quien recita todo su diálogo en mandarín, excepto una canción que canta en castellano, hasta sus múltiples referencias a Dragon Ball, pasando por los homenajes a las películas de kung-fu, que hacen ver la gran influencia que ha tenido en los directores toda esa estética. Sobre todo haciendo hincapie en Dragon Ball, encontramos una parte de la banda sonora y, en uno de los mejores momentos, un parón en la trama con un resumen animado y la voz del narrador de las aventuras de Son Goku en versión catalana, Enric Isasi-Isasmendi. Todo un detalle por parte de Albet y Borràs.

Además de estas referencias que encantarán a los fans, encontramos momentos brillantes como el rap eclesiástico que consiguen arrancar una carcajada al público asistente y que demuestran una absoluta falta de complejos a la hora de adaptar una obra antigua al lenguaje visual de nuestros días. Y todo ello sin dejar de ambientarlo en la Barcelona de 1895, nada más que añadiendo algunos detalles anacrónicos y surrealistas que al fin y al cabo siguen la tradición del gran guignol en la medida correcta.

Sería injusto, por último, destacar a alguien ya que todos los actores (y actriz) están muy bien, aunque sería también justo recalcar las buenas maneras de la actriz china que al fin y al cabo y a pesar de hablar en su idioma materno demuestra una completa adaptación a las formas teatrales autóctonas y consiguiendo con su actuación unas gotas de exotismo que no se quedan solo en eso sino que acompaña su retrato de una novicia a la fuerza que se ve obligada a vivir una horrible muerte en vida que erosiona su ánimo y la lleva a cometer actos graves para ella misma.

Una obra, ciertamente por descubrir, que se puede ver hasta el próximo 8 de abril y que recomendamos a quien viva en Barcelona o alrededores, tanto como curiosidad como por eficacia y por arriesgarse en intentar dar una vuelta de tuerca al convencionalismo que podemos ver en muchas de las obras, sean teatrales o no, que tenemos hoy en día. Y sobre todo, claro está, a los fans de Dragon Ball que tendrán un aliciente más para disfrutar.