viernes, 4 de agosto de 2017

Ciclo de cine de Corea en los Cinemes Girona



Tras el paréntesis estival el próximo septiembre vuelven las proyecciones de cine asiático a los Cinemes Girona gracias al Centro Cultural Coreano de Madrid y a Casa Asia. En esta ocasión no podíamos dejar de hablar de ello puesto que entre las cintas propuestas tenemos dos de las mejores películas vistas en el pasado Sitges 2016, The Age of Shadows (El imperio de las sombras) y The Wailing (El extraño). Una nueva oportunidad de poder ver estas joyas en pantalla grande.

Casa Asia, con la colaboración del Centro Cultural Coreano de Madrid, apuesta una vez más por acercar a nuestro público algunos de los títulos recientes más destacados del cine coreano. Sin duda, la cinematografía coreana es una de las más consolidadas dentro del panorama asiático y sus múltiples producciones consiguen un gran éxito de pantalla entre la audiencia nacional y un importante reconocimiento internacional.

Esta será la cuarta edición de un programa dedicado al cine coreano, en el que se ha reunido una selección heterogénea de cuatro películas, entre las que se encuentran producciones alternativas como Midnight in Seoul o A Quiet Dream, junto con la candidata de Corea a los Oscars del 2016, The Age of Shadows (El Imperio de las Sombras), y uno de los grandes éxitos comerciales coreanos del año pasado como The Wailing (El Extraño). Una gran oportunidad para disfrutar del cine coreano más actual y de acercarse a una fascinante cultura, donde lo tradicional y lo contemporáneo conviven estrechamente en su día a día.

Programa

Sábado, 9 de septiembre de 2017, 20.00 h
Presentación del ciclo y coloquio a cargo de: Menene Gras Balaguer, Directora de Cultura y Exposiciones de Casa Asia.
MIDNIGHT IN SEOUL, Dir. Kweon Jung-mok | Corea | 2015 | 116’ | VOSE
Midnight in Seoul es una mezcla de comedia, melodrama y fantasía, que trata sobre las 10 horas que pasan juntos una pareja, que se conoce por primera vez, durante una noche en Seúl. Seo-hui, es una mujer de treinta años que se va a despedir del mundo, y Ho-sun, un joven, también en su treintena, que se largará para siempre, las vidas de los cuales quedan unidas, durante toda esa noche, después de conocerse por coincidencia encima de un puente del río Han. Poco a poco se empiezan a caer bien mientras deambulan por las calles más trasnochadoras en el invierno congelador de Seúl. Dos jóvenes decididos a suicidarse, empiezan un recorrido nocturno – curioso, aterrador, sexy y precioso – en Seúl.

Sábado, 16 de septiembre de 2017, 20h
A QUIET DREAM, Dir. Zhang Lu | Corea | 2016 | 101’ | VOSE
En el centro de Seúl, dando la espalda a los edificios de lujo, hay un pueblo humilde llamado Su-saek. En él viven tres perdedores particulares; Ik-june, perteneciente a una banda expulsada por reírse en el funeral del líder, Jung-bum, un desertor norcoreano con depresión y Jong-bin, un epiléptico que sólo bebe leche. Ellos tres frecuentan un pequeño bar, con el fin de ganar el corazón de una encantadora dama, Ye-ri. Ella tiene también sus propios problemas, pero nunca culpa a nadie; los tres saben olvidar y reír juntos en el bar. Un día, Ye-ri les pregunta sobre lo que soñaron la noche anterior. Cada uno de ellos cuenta sus pesadillas y Ye-ri les cuenta su sueño; donde hacía el amor con cada uno de ellos.

Sábado, 23 de septiembre de 2017, 20h
THE AGE OF SHADOWS (EL IMPERIO DE LAS SOMBRAS), Dir. Kim Jee-woon | Corea | 2016 | 140’ | VOSE
Finales de los años 20, Corea durante la ocupación japonesa. Juego de espías entre un grupo de la resistencia que intenta traer explosivos desde Shangai para destruir la base de Seúl y los japoneses que intentan detenerlos. Un policía coreano al servicio de los japoneses se ve en el dilema de elegir entre su deber y el apoyo a una causa mayor. Thriller de espías dirigido por Kim Jee-woon (A bittersweet life y I Saw the Devil), repleto de impresionantes secuencias de acción y tensión extrema. La película fue presentada en el Festival de Venecia y ha sido escogida por Corea para representar al país en los Oscars de 2016.

Sábado, 30 de septiembre de 2017, 20h
THE WAILING (EL EXTRAÑO), Dir. Na Hong-jin | Corea | 2016 | 156’ | VOSE
La vida de un pueblo coreano se ve trastornada por una serie de asesinatos salvajes y misteriosos, que azota a la pequeña comunidad rural. Los rumores y las supersticiones se propagan a causa de la presencia, desde hace poco tiempo, de un anciano extranjero que vive como un ermitaño. Ante la incompetencia de la policía para encontrar al asesino y sin tener una explicación racional, algunos habitantes del pueblo buscan a un chamán. Jong-gu, un policía cuya familia está directamente amenazada, también cree que se trata de crímenes sobrenaturales. Del aclamado director Na Hong-jin (The Chaser, The Yellow Sea), The Wailing (El Extraño) estuvo presente en el Festival de Cannes, fuera de competición, con excelentes críticas. La película mezcla una trama impredecible con imágenes apabullantes, creando una tensión brutal para el espectador, siendo una de las películas más vistas del 2016 en Corea del Sur.

Fecha
09/09/2017 > 30/09/2017
Horario
Del 9 al 30 de septiembre
Lugar
Cines Girona c/ Girona, 175
Barcelona
Entrada
Precio: 3,5 € | Precio abonados y socios de los Cinemes Girona: 2 €

Organizador
Casa Asia, Centro Cultural Coreano de Madrid y Cinemes Girona

martes, 1 de agosto de 2017

Avance de programación asiática Sitges 2017



Hace pocos días se celebró la primera rueda de prensa de avance de programación del Festival de Sitges, que este año cumple su ciencuenta aniversario. En este avance encontramos bastante e interesante cine asiátiaco que es lo que más nos interesa y la noticia también de que Johnnie To en persona estará en la villa para sumarse a la celebración.

El cine coreano está siempre muy presente en Sitges y este año no iba a ser una excepción. Los primeros títulos confirmados son A Day, debut de Cho Sun-ho con un protagonista que revive un día trágico una y otra vez, o La villana, de Jung Byung-gil, cinta de venganza con sorprendentes escenas de acción y que triunfó en el pasado Festival de Cannes consiguiendo cuatro minutos de ovaciones tras su proyección. Así mismo y gracias a la primera colaboración de Sitges con Netflix se proyectará Okja de Bong Joon-ho, otra de las sensaciones de Cannes, para ofrecer la posibilidad de disfrutarla en pantalla grande.

Takashi Miike, sin duda uno de los buques insignia de Sitges, tendrá en el certamen Blade of the Inmortal, adaptación del popular manga de acción y venganza, y la secuela del film yakuza The Mole Song: Undercover Agent Reiji, ya presente en Sitges 214 con el sugerente subtítulo de Hong Kong Capriccio. Otro de los habituales, Kiyoshi Kurosawa, nos traerá Before We Wanish, un drama con extraterrestres.

Pero Miike y Kurosawa no son los únicos directores habituales japoneses que estarán presentes en el cincuenta aniversario puesto que Sion Sono inaugurará las sesiones Midnight X-Treme con Tokyo Vampire Hotel, serie que ha dirigido para Amazon, que da la vuelta  las cintas de vampiros ofreciendo una visión original y única. Y el reciente ganador del Sitges Pitchbox Awars en el BIFAN 2017, Yoshihiro Nishimura, presentará Meatball Machine Kodoku, una comedia de terror y extraterrestres.

Desde Taiwán Giddens Ko presentará mon mon mon Monsters!, una cinta oscura, violenta y nihilista sobre los monstruos reales que nos rodean.

En cuanto a la animación, el anime tendrá un gran peso y celebrará sus 100 años, además de las habituales competiciones de cortometrajes y homenajes. Lu Over the Wall, de Masaaki Yuasa, ganador del premio al mejor largometraje del Festival de Annecy, estará en Sitges 2017. También procedente del festival francés se incorpora a la sección de animación la emotiva A Silent Voice, de Naoko Yamada, un drama sutil de gran profundidad psicológica. Además, se proyectarán Tehran Taboo, que supone el ambicioso debut en el largometraje del cineasta germano-iraní Ali Soozandeh, y el film franco-japonés Mutafukaz, dirigido por Shoujirou Nishimi y Guillaume Renard, que se basa en el cómic del mismo nombre creado por el mismo Renard.

Y esto tan solo es el principio. Pronto tendremos más novedades de cine asiático en Sitges 2017 que seguro va a ser una fantástica (aún más) edición.

lunes, 31 de julio de 2017

Crónica Festival Nits de cinema oriental 2017



Del 18 al 23 de julio se celebró una nueva edición del imprescindible Festival Nits de cinema oriental, que cada año crece tanto en su faceta principal como en las actividades paralelas, con la previa Més Nits como punto de partida, pases de películas en otros festivales o en la sala Phenomena de Barcelona como aperitivo. En nuestro caso este año tan solo nos fue posible asistir el viernes por la tarde y el sábado por la mañana al festival por motivos laborales y personales. Pero aún así con tan corta visita pudimos degustar buen cine asiático y buena compañía con los habituales amigos y conocidos.

Nada más llegar pudimos asistir a parte de la clase magistral de Andrew Leavold, que volvía al festival tres años después para participar como jurado. Una clase magistral sobre el cine filipino más bizarro llena de locura, con una pasión desbordante y que contagiaba al publico asistente. Una lástima no poder verla entera pero igualmente pudimos disfrutar el rato que vivimos.

La primera película de la tarde fue Duckweed, segunda que dirige el polifacético artista chino  Han Han. En este caso nos trae una comedia fantástica, con toques dramáticos, sobre un corredor de coches de éxito que tras un accidente viaja al pasado y conoce a sus padres antes de ser concebido y, como en Regreso al futuro, intentar que su destino sea ese mismo mientras conoce realmente por primera vez a sus progenitores. Bonita, divertida y emotiva, Duckweed se aleja de cualquier previsibilidad y aporta un soplo de aire fresco al cine de este género, propenso en ocasiones al sentimentalismo y llanto más desenfrenado.

Por la noche tocaba el estreno mundial de Munna Michael, dirigida por Sabir Khan y protagonizada por Tiger Shroff, duo que nos deleitó el año pasado con Bhaagi, y que daban un giro a su nueva propuesta. En esta ocasión nos traían la historia de un joven bailarín que sueña con ser profesional que acaba convertido en profesor de un mafioso, llegando a convertirse en hermano de sangre. Pero una mujer les hará convertirse en enemigos. En esta ocasión creo que la propuesta queda alejada de la maestría de Bhaggi, aunque la acción siga siendo buena, y los bailes, en este caso demasiados lastran el avance de la película. De todas maneras entretiene bastante, y los toques de comedia son acertados.


Quizá fue por la tardía hora y el cansancio acumulado después de una larga jornada, pero el pase de Vampire Cleanup Department, una de nuestras películas más esperadas del Festival, nos decepcionó bastante. Entre el sueño que nos vencía, el ritmo lento y que parecía estar hecha solo para homenajear sin intentar aportar frescura, no pasó mucho tiempo antes de que desconectáramos, lo que nos pareció una pena. No obstante tenemos pendiente una revisión en una hora más adecuada y sin sueño de por medio para poder valorarla objetivamente.

El día siguiente nos saltamos la película de la mañana con McDull como protagonista ya que teníamos que descansar y nos dirigimos directamente a la sesión doble con Kara Hui como protagonista. La primera era la última de la retrospectiva de las Kung Fu Girls!, My Young Auntie (o Las garras de la tigresa en España), una cinta que no ha decaído con el tiempo sino que conserva su esencia y aún se pueden valorar mejor todos los hallazgos de la película, adelantada a su tiempo. Acción, artes marciales, romance, feminismo bien entendido, impregana una película por la que realmente no pasan los años.

Y para terminar con nuestros visionados Mrs. K, un thriller de venganzas duro, aspero y tenso que supone, según la propia Kara Hui, su despedida del cine de acción. Y lo hace a lo grande, en una película que si hubiera pasado por algún otro festival se hablaría de uno de los thrillers del año. Otra muestra del ojo que tienen los programadores del Festival Nits. Una coproducción entre Malasia y Hong Kong, con el director malasio Ho Yuhang al mando y los hongkoneses Kara Hui y Simon Yam, impresionante como siempre, dando la réplica desde el otro lado de la pantalla.

Nos quedaba un rato antes de despedirnos de Vic hasta el año que viene y aprovechamos para asistir a la presentación del libro de las Kung Fu Girls!, escrito por esos dos maestros del cine asiático como son Domingo López y Jorge Endrino, que nos explicaron los pormenores del libro y nos hicieron tener, si cabe, más ganas de leerlo. De hecho eso fue lo que hicimos justo al tomar el tren con dirección Barcelona.

Y ya solo nos queda dar las gracias, como siempre, a la organización al completo por todas las facilidades para los acreditados y su amabilidad ¡nos vemos en el Festival Nits 2018!

miércoles, 28 de junio de 2017

Festival Nits de Cinema Oriental 2017



Como es habitual por estas veraniegas fechas, vuelve el Festival Nits de Cinema Oriental. Cinco días, del 18 al 23 de julio, en los que la ciudad de Vic se convertirá en un apéndice de Asia con el mejor cine llegado de aquellas lejanas tierras, gastronomía oriental y muchas actividades como bailes, conciertos y clases magistrales.

El festival, que cumple la friolera de catorce ediciones, que se dice pronto, ya ha desvelado su programación en una edición en la que China será el país invitado, y la retrospectiva estará dedicada a las Kung Fu Girls! procedentes de la China continental, Hong Kong y Taiwán. Como ya es tradición, ésta reprospectiva vendrá acompañada de un libro, escrito por los expertos en cine asiático Domingo López y Jorge Endrino.



La programación completa se puede consultar en el siguiente enlace: http://cinemaoriental.com/es/programacion/

A continuación reproducimos la nota de prensa enviada por el festival, seguida del teaser con escenas de las películas que podremos ver durante el mismo.

El certamen abre el 18 de julio con la comedia china Cook Up a Storm y dentro de su Sección Oficial incluye títulos como Munna Michael, Duckweed, Extraordinary Mission, Shock Wave, McDull Rise of the Rice Cooker y Fabricated City. 

Además de China, país invitado, el Festival Nits de cinema oriental de Vic acoge producciones de Hong Kong, Japón, Filipinas, Malasia, Taiwán y la India. En su 14ª edición presenta 16 títulos en Sección Oficial, 15 de los cuales son estrenos estatales, y se convierte así en una cita obligada para los amantes del cine oriental. Como cada año, su programación de filmes a concurso consigue un equilibrio entre las superproducciones comerciales de calidad y el cine de autor. 

El público nitómano vibrará desde la sesión inaugural con la comedia Cook Up a Storm (Ye Wei Min -Raymond Yip-, 2017), en la cual se enfrentan la cocina tradicional y la moderna; el hit de Bollywood de este verano Munna Michael (Sabbir Khan, 2017), sobre un musculado sintecho seguidor de Michael Jackson; la espectacular cinta de ciencia ficción Fabricated City (Park Kwang Hyun, 2017) y la emocionante Extraordinary Mission (Alan Mak, Anthony Pun, 2016), de los creadores de la saga Infernal Affairs. 

El thriller Shock Wave (Herman Yau, 2017), triunfador en las taquillas de China y Hong Kong, clausurará las Nits en la Bassa. Por otro lado, la japonesa Strange Tales of Love and Strangers (Raita Kuramoto, 2017) nos habla de las pequeñas grandes historias de amor y Duckweed (Han Han, 2017), éxito del cine de autor chino de 2017, nos invita a un viaje en el tiempo cargado de realismo mágico. 

Dos películas se suman también desde la Sección Oficial a la apuesta del Festival Nits por destacar el rol de la mujer en el cine oriental: Mountain Cry (Larry Yang, 2016), un delicado filme chino que condena la intolerancia colectiva, y Mrs K (Ho Yuhang, 2017), el retorno de la femme fatale Kara Wai al cine de acción. Fuera de competición podremos ver los documentales Mira (Lloyd Belcher, 2016) sobre una campeona runner nepalí y Gulabi Gang (Nishtha Jain, 2012), la historia del movimiento de los saris rosas contra la violencia de género en la India. 

La anunciada Retrospectiva Kung Fu Girls!, dedicada a las protagonistas del cine de acción de China y Hong Kong, se inaugura este viernes día 30 de junio en la sala Phenomena con la proyección de Royal Warriors (Ultra Force) de David Chung (1986) en una sesión Noodle & Beer Night: KUNG FU GIRLS!


martes, 23 de mayo de 2017

El éxito cinematográfico del año en China y Hong Kong se estrenará en el Festival Nits





El Festival Nits de cinema oriental de Vic (18-23 de julio) ofrecerá la premiere estatal de Shock Wave (Herman Yau, 2017), un thriller espectacular que ha sido éxito de taquilla en China y Hong Kong arrebatando la primera posición en el ranquin de recaudaciones a Fast & Furious 8.

Este filme se añade a los dos títulos previamente anunciados: The Posterist (Hui See-Wai, 2016) y Vampire Cleanup Department (Yan Pak Wing y Chiu Sin Hang, 2016), dentro de la Sección Oficial del certamen.
The Posterist es un documental sobre Yuen Tai-Yung, ilustrador de algunos de los carteles más míticos de la historia del cine de Hong Kong. La ciudad de Vic acogerá al equipo artístico de la película, incluido el “posterista", que actualmente tiene 76 años y ha recibido diversos homenajes por parte de la industria de su país. Aprovechando la visita de Yuen Tai-Yung, el Festival expondrá una muestra de su trabajo.
Por otra parte, Vampire Cleanup Department supone el retorno al popular cine de vampiros chinos. Combina humor y terror en un guion ingenioso y genuino repleto de referencias al cine de este género en Hong Kong.

40 títulos, entre largometrajes y cortometrajes, completarán el programa de un festival que se consolida como referente del cine asiático en Cataluña y el resto del estado.


  El Festival completa con éxito el Verkami para publicar el libro Kung Fu Girls! Las actrices del cine de acción de Hong Kong y China 

La tercera publicación de la Biblioteca FesNits será posible gracias a las aportaciones de 134 mecenas y a la colaboración del Hong Kong Trade and Economic Office de Bruselas.

Kung Fu Girls! Las actrices del cine de acción de Hong Kong y China, escrito por Domingo López y Jorge Endrino, será el primer libro dedicado exclusivamente a las mujeres en el cine de artes marciales. Esta publicación, imprescindible para los amantes del género, incluirá el contexto histórico, una guía de películas, una galería con las actrices más destacadas e ilustraciones originales del dibujante Toni Benages.

 



La mujer, protagonista de esta edición

Junto a la publicación del libro, el Festival Nits dedicará una retrospectiva a las protagonistas femeninas del cine de acción chino y cantonés.

Mientras que en los filmes de acción occidentales las mujeres han quedado siempre relegadas a papeles secundarios, en China y Hong Kong actrices como Moon Lee, Sharon Yeung Pan-Pan, Michelle Yeoh, Kara Hui, Maggie Q, Cheng Pei-Pei, Angela Mao o Mandy Ho se han convertido en grandes estrellas del género con filmes estrenados y reeditados en el mercado internacional.

La retrospectiva incluye títulos tan emblemáticos como Yes, Madam (Ultra Force 2), My Young Auntie (Las garras de la tigresa), Iron Angels, Naked Weapon o los documentales Dragon Girls! Les amazones pop asiatiques de Yves Montmayeur y The Beauties of the Shaw Studios, un viaje a los viejos tiempos del cine de Hong Kong a través de las intérpretes más destacadas de este estudio.

Este homenaje a las mujeres de acción continuará más allá del Festival, con sesiones de cine que tendrán lugar en el Instituto Confucio de Barcelona después del verano.

lunes, 19 de diciembre de 2016

Casa Asia Film Festival 2016


Del 4 al 13 de noviembre se celebró en Barcelona la cuarta edición del Casa Asia Film Festival, que nos volvió a traer una serie de películas, en su mayoría, difíciles de ver en nuestras pantallas. Éste año, además, tuve el honor de ser jurado de la sección Panorama, siendo ésta una experiencia muy gratificante. En este post reseñaré las cinco películas que me han parecido lo mejor del festival, todas ellas muy interesantes y variadas, pero antes el palmarés de la Sección Oficial a concurso y la Sección Panorama:

-Sección oficial (Briccio Santos, Cho Young-jung, Haris Sulong, Turku Mona Riza, Jevons Au y Mike Hostench)

Mejor película: Mina Walking (Afganistán, 2015)
Mejor director: Bahram Ark por Coldness (Irán, 2015)
Mejor guión: Kiyoshi Kurosawa y Takashi Ujita por Journey to the Shore (Japón, 2015)
Mejor fotografía: Guo Daming por Paths of the Shoul (China, 2015)

Sección Panorama (Àlex Murrull, David Blanco, Elena Neira, Sherman Ong y John Prskalo)

Mejor película: The Throne (Corea del Sur, 2014)
Mejor director: Ariel Kleiman por Partisan (Australia, 2015)
Mejor guión: Pourya Azarbayjani por Tajrish… An Unfinished Story (Irán, 2015)
Mención especial: Zhol (Kazajistán, 2014)



En el quinto puesto encontramos a Partisan, original propuesta llegada desde la antípodas que nos cuenta la historia de un niño a simple vista como los demás, pero que en realidad es un asesino entrenado por su padre, interpretado de manera sobria por Vincent Cassel. Rodeado de una familia “perfecta” en un lugar paradisíaco, cuando el niño comienza a tener dudas todo empieza a tambalearse desvelando una frágil estructura en ese lugar ideal. Ell principal problema de la película llega aproximadamente a mitad del metraje, cuando empieza a repetirse y da la sensación de no saber lconservar la originalidad. Aúnque siendo positivo, tanto las interpretaciones como el buen hacer tras la cámara de Ariel Kleiman, quién gano con justicia el premio a Mejor Director de la Sección Panorama lo mantienen todo dentro de unos buenos parámetros.

Desde Corea del Sur llegaba The Throne al cuarto puesto, y que a la postre fue ganadora del premio a Mejor Película de la Sección Panorama. Planteada  como una tragedia, nos cuenta la historia de un rey al que su hijo decepciona constantemente, al no aprender las enseñanzas confucionistas y dedicarse a beber y divertirse. Una noche, al intentar asesinar a su padre, éste le encierra en una gran caja de arroz hasta el día de su muerte. Narrada con numerosos flashbacks, y con las relaciones como hilo de fondo, nos muestra la vanidad humana y la debilidad inherente a nuestra condición. Un padre que desprecia a su hijo por no ser capaz de convertirse en el heredero que desea, y un hijo que odia a su padre, del que solo quería su amor y no consiguiendo más que repulsa. Song Kang-ho está, como es habitual, estupendo en su papel, al que acompaña una gran fotografía.

La tercera propuesta en el ranking es Beautiful 2016, en realidad cuatro cortometrajes reunidos para el festival internacional de cine de Hong Kong, conserva el rasgo principal de las antologías, la irregularidad.

En la primera historia, Somewhere in Kamakura, un Hideo Nakata de capa caída nos habla de una historia de amor juvenil que vuelve en la vejez por medio de una carta. No es  de lo peor del director en los últimos años, pero tampoco aporta nada nuevo.

La segunda historia, Dama Wang Who Lives on Happiness Avenue, dirigida por el taiwanés Alec Su, está narrada desde el punto de vista documental y sigue a una mujer china de mediana edad y viuda con su rutina habitual y ese tono entre kitsch y decadente de la China contemporánea. Curiosa pero insuficiente.
Ya en  la tercera historia, One Day in Our Lives of …, nos encontramos con más calidad aunque no exenta de cierta autocomplacencia. Dirigida por el reconocido, Stankley Kwan, su buen hacer, el dibujo de personajes, la nostalgia hacia unos tiempos que no volverán a Hong Kong, y los homenajes consiguen hacernos olvidar  los puntos flacos.

Y para el final lo mejor con The Hedonists, de Jia Zhangke, uno de los directores chinos actuales más famosos fuera de sus fronteras,  que aprovecha de nuevo para golpear esa China de rápido desarrollo y corta memoria, con un humor muy adecuado para la ocasión, a través de la historia de tres amigos que son despedidos a la vez de su trabajo y tras varias entrevistas conjuntas acaban en un parque temático que recrea la China imperial.

La medalla de plata corresponde a otra propuesta coreana, Assassination, o Asesinos en su edición en formato doméstico en España. Suele ser extraño que películas de una temática similar o ambientadas en la misma época consigan parecernos interesantes o más que interesantes. Eso es lo que ha sucedido reciéntemente en Corea con The Handmaiden (La doncella), The Age of Shadows o ésta misma Assassination, todas ellas ambientadas en la Corea ocupada por Japón, si bien no todas lo utilizan como clave del relato o de la misma manera. En esta ocasión un grupo de independentistas coreanos se verán inmersos en un entramado de traiciones y dobles identidades en su camino hacia el asesinato de uno de los altos cargos japoneses destinados en la península coreana. Contra todo pronóstico la película funciona muy bien y con un gran dinamismo, se convierte en la mejor película de Choi Dong-hoon hasta la fecha

Y como mejor película del festival teníamos otra antología, en este caso procedente de la ciudad-estado de Singapur que en 2015 celebró los 50 años de su creación como nación. Por ello se puso en marcha este proyecto dirigido por los realizadores más reconocidos del país. 7 Letters explora la identidad nacional entre la nostalgia de las tradiciones del pasado, la modernización a marchas forzadas y el trauma que subyace, en cierto manera, de la separación de Malasia.

El encargado de abrir la película es Eric Khoo, que con Cinema y a partir de la mirada de un anciano exproductor de cine nos devuelve a los años 50, tiempo de unidad que se refleja en los miembros del equipo técnico, artístico y de producción cuando vuelven a reunirse décadas después. Una mirada que vira de la melancolía a la alegría y en la que chinos, indios y malayos trabajan codo con codo.

En The Girl, dirigido por Jack Neo, nos adentramos en el terreno del amor juvenil destinado a romperse, y que aprovecha para mostrar las diferencias lingüísticas entre los grupos de chinos singapurenses y su incapacidad de entenderse.

K. Rajogopal nos muestra en The Flame, el conflicto entre una familia de origen indio cuando en la víspera de la retirada británica de Singapur reciben la ciudadanía de ese país. Mientras el padre aboga por irse, el hijo y la esposa embarazada de éste se niegan ya que están en su hogar. Una historia de autoafirmación nacional y de rechazo al colonialismo.

Royston Tan ofrece en Bunga Sayang y en modo de comedia la relación que se crea entre un niño chino y su vecina malaya cuando él tiene que utilizar la ducha de ella al tener el agua cortada. Amable, sensible y entrañable, a pesar de no entenderse por las diferencias idiomáticas, una canción les hará crear un vínculo perdurable.

El mejor de los fragmentos, Pinneaple Town, hace referencia a la pequeña ciudad malasia de Pekan Nanas. Una mujer busca a la madre biológica de su hija recién adoptada, cruzando la frontera entre dos países que una vez fueron uno, sin poder conseguirlo. La escena del restaurante de carretera es  dura y a la vez cálida, estando resuelta de manera magistral por Tan Pin Pin en su primera aproximación a una obra de ficción.

En Parting, de Boo Junfeng, un anciano malayo regresa a Singapur en busca de su primer amor y acaba volviendo a la estación de tren Tanjong Pagar, testigo de su separación, que verá recreada en un rodaje que tiene lugar allí mismo en un ejercicio de metacine. De nuevo la separación, uno de los ejes de la película, deja un poso amargo.

Grandma Positioning System (GPS), de Kelvin Tong, se centra en una familia que, de nuevo, tiene que pasar la frontera para rendir homenaje al patriarca, enterrado en Malasia. Tres generaciones en conflicto; la abuela enseñando el camino hasta la nueva casa al espíritu del esposo,  su hijo solo preocupado por los negocios, o la nieta por divertirse con sus amigos. Emotiva y divertida, un broche de oro para una de las películas de episodios más equilibrada que he visto en los últimos tiempos.

lunes, 14 de noviembre de 2016

Crónica Festival de Cine Fantástico de Sitges 2016 - 5ª parte

Tras The Dirties, también grabada en el formato del falso documental, Mat Johnson, en su segunda película, se atreve con algo más grande, Operation Avalanche, una fábula conspiranoica. Unos agentes federales son asignados para encontrar a un espía soviético infiltrado en la NASA en plena guerra fría, pero a medida que investigan van descubriendo secretos que llegan a otro nivel. Planteada al principio en tono de farsa y comedia, sobre todo con Johnson en ese papel de agente del FBI bromista, poco a poco se va convirtiéndo en un thriller que, milagrosamente, supera el formato. Y es que Johnson ha demostrado en sus dos películas hasta la fecha que los recursos narrativos limitados del mockumentary se pueden suplir con la imaginación y buen uso de la cámara.

Esperaba con ganas The Neon Demon, la última película del gran Nicolas Winding Refn tras la impresionante Drive y la estupenda Sólo Dios perdona. La decepción fue mayúscula al encontrarme una película vacía a mayor gloria de la (supuesta) belleza y planos estilísticamente logrados. Porque sí, The Neon  Demon es una maravilla visual, pero es simple carcasa, adolece de lo que critica y la radicalización del director hacia el poder de la imagen dinamita la propuesta. De hecho no consigue ni convencerme la ambientación en Los Angeles, probablemente la ciudad más cinematográfica del planeta, para lo bueno y lo malo.

El nuevo trabajo de Amat Escalante, La región salvaje, es algo desconcertante. Mezclando el cine de autor que practica el director con una trama de ciencia ficción sexualizada, nos introduce en la historia de un matrimonio, en el que el marido engaña a su esposa con el hermano de ésta. Por otro lado, una mujer mantiene relaciones sexuales con un extraterrestre con forma de pulpo. Los caminos de estos personajes se cruzan, con el asesinato de uno de ellos en medio, y el extraterrestre no discriminando a nadie a la hora de copular. Claro, si este argumento tan estrambótico fuera dirigido o interpretado por algún director más comercial sería tildado de muchas cosas y pocas bonitas, pero como lo es por Escalante, ya tenemos una gran película que llevarnos a la boca. En fin, realmente siendo sinceros la película no es horrible y tiene su punto de interés pero dista mucho de ser destacable.



A pesar de no ser un gran amante del cine independiente estadounidense si admito que dentro del movimiento se pueden encontrar películas muy interesantes e incluso grandes joyas. En el caso de Swiss Army Man tenemos un ejemplo de lo primero. Partiendo de una historia absurda acabamos encontrándo una reflexión sobre la soledad, la amistad, la perdida e incluso la muerte. Un naufrago encuentra un cadaver en descomposición que pierde aire por sus orificios, lo que aprovechará para poder dejar la isla como si llevara un fueraborda. Buscando la civilización la amistad entre ambos seres irá creciendo, no sin tener ciertos altibajos. Surrealista, divertida, tierna y dura, Swiss Army Man no es perfecta pero sinceramente, tampoco le hacía falta.

Una mujer mayor, Louise, se queda atrapada en una ciudad costera tras la salida del último tren. Con el tiempo empeorándo rápidamente, Louise encuentra fuerzas de flaqueza para sobrevivir hasta la llegada del próximo verano. Louise en hiver es una película amable, optimista, de una persona que aprovecha la adversidad para vivir una vida sencilla mientras se alimenta de sus recuerdos.  Alejada en cierta manera del espíritu del festival ( como tantas otras, es verdad), si que es una película perfecta para relajar la mente y pasar un rato agradable.


La carrera de Denis Villeneuve ha ido creciendo de una manera espectacular desde el estreno de Incendies en 2010, que le abrió el camino al reconocimiento internacional. Arrival, su última película hasta que el año que viene se estrene la secuela de Blade Runner, se ha convertido por méritos propios en una de las películas de 2016, y si bien creo que es una gran película, y la segunda en mi ranking particular del director, también creo que ha sido demasiado magnificada. Probablemente se deba a mi propia visión de Villeneuve, a quién considero un gran director pero no el genial director que se dice. En el caso que nos ocupa, Arrival si que puede considerarse una película bien hilvanada, interpretada y ambientada pero corre el riesgo de en un segundo visionado perder esas características, además de un tono dramático que podría considerarse excesivo, pero que por fortuna no traspasa esa linea. Una película que no dejará indiferente y una experiencia que todo cinéfilo debe vivir.

Si Stake Land ya flirteaba con el sopor en un apocalíptico mundo infestado de vampiros, su secuela The Stakelander, su secuela, ya sin Jim Mickle pero con el mismo guionista y protagonistas, se abraza al aburrimiento más extremo e incomprensible. Una película puede ser lenta y ser una gran película. El problema es cuando la película es lenta para intentar parecer buena y lo usa además como maniobra para lastrar la falta de un guión consistente y rellenar metraje. Si hay una tercera parte lo más probable es que no pase absolutamente nada e inserten escenas de batallas o luchas contra vampiros en medio para parecer que sí. 


Poco se puede decir de Yoga Hosers y desde luego nada positivo. Tras la ya irregular Tusk, aquí nos encontramos con la más absoluta de las chapuzas de un director que nunca he considerado destacable en lineas generales, pero que cuenta con algunas buenas películas en su haber. Protagonizada por su hija, Harley Quinn , y la de Johnny Depp, Lily-Rose, quienes ya aparecian en la anterior en los mismos roles, la patética historia simplemente se las lleva por delante por mucha voluntad que pongan. Además de que mientras la hija de Depp se defiende, la de Smith es insulsa como actriz. Como colofón Depp repite su papel de Guy Lapointe, patético personaje que en esta película, y a diferencia de Tusk, ya no tiene acento quebequense. Otra más para un engendro que conviene olvidar cuanto antes.

miércoles, 9 de noviembre de 2016

Crónica Festival de Cine Fantástico de Sitges 2016 - 4ª parte


Bill Plympton es otro viejo conocido del festival al que acude como siempre con su simpatía y una maleta llena de dibujos y DVD's para vender. Revengeance, a cuatro manos con Jim Lujan, se aleja algo de su universo habitual y nos trae una historia detectivesca y con ribetes políticos, al estilo de la animación undeground de los setenta estadounidense. Si bien funciona durante los primeros minutos, acaba derivando hacia un simple cliché alargado, con pequeños detalles destacables insertados a lo largo de la trama.

Cambio de tercio para Ti West con In a Valley of Violence, dejando su habitual aproximación al cine de terror para pasar al western. Un taciturno vaquero llega al pueblo equivocado, controlado por el sheriff local. Tras un incidente con el díscolo hijo del sheriff, el vaquero es expulsado del pueblo, pero es alcanzado y asaltado por el hijo y sus secuaces quienes matan a su perra y creen haber hecho lo mismo con él. A partir de ese momento el vaquero buscará venganza y asistiremos al típico desarrollo de este tipo de películas, con algo de salvajismo y un humor muy extraño, aderezado por una música no del todo adecuada para el tono de la película. Bastante denostada en Sitges, sin duda se trata de un producto para pasar el rato pero que no será recordado dentro de la filmografía del director. Lo mejor: la composión de John Travolta.


Otro de los fetiches del festival desde hace unos años es Rob Zombie, que también estaba invitado. 31 era una de las películas más esperadas del festival, sobre todo para los seguidores del cantante y director, pero que pasó con más pena que gloria en el global. Si bien es cierto que la película no brilla por su originalidad ni por su guión, posiblemente el más flojo de la filmografía de Zombie, nos encontramos con un producto muy entretenido y directo a la yugular. La ambientación, los colores y los personajes -no todos bien aprovechados, por otra parte-, nos dejan al final un buen sabor de boca en esta historia de supervivencia.

En todos los festivales existe esa película que viene predecida de bastante fama y polémica por su crudeza. En ésta edición teníamos Raw (o Grave), protagonizado por una muchacha vegetariana en su primer año en la universidad, que comienza a comer carne sin freno mientras despierta a la sexualidad. Todo ello se plantea desde el extremo, junto a su compañero gay de habitación y su hermana, también estudiante de medicina como ella pero de segundo curso. Pero a pesar de ese planteamiento extremo, la película no tiene nada que no hayamos visto antes, lo que nos lleva a pensar que esos desmayos en Toronto fueron más producto de marketing que otra cosa. Analizada friamente la película es simplemente un catálogo de intetos de provocación que no aportan nada de nada y que se quedan en lo anecdótico. Otra muestra de que el cine extremo francés (y no sólo éste) ya no está en su mejor momento.



Este año se ha celebrado el 50 aniversario de Star Trek y, lógicamente, el festival de Sitges lo celebró con varias actividades y proyecciones, entre ellas la de Star Trek: La película, la que dió origen a la resurección del mito tras su cancelación una década antes. A pesar de que los planes en principio eran los de proyectar la versión normal en el Auditorio y la versión extendida en la Tramuntana, al final tan sólo se proyecto la extendida. Pese a la baja calidad de la proyección, la experiencia fue como siempre fantástica. La película, la menos Star Trek de toda la saga, pero aún así manteniendo la esencia de la misma es una gozada en todos los sentidos, tanto para el fan como para el público general. Y es que estando a los mandos Robert Wise, un solvente director que en su haber tiene varias joyas, no puede defraudar. De todas maneras me quedo con la versión "corta" y me hubiera gustado verla lucir en sus 35mm originales.

Que Dios nos perdone es el último, hasta la fecha, thriller español actual. Una corriente que se impone en los proyectos españoles, multirreferenciales pero que se hacen nuestros y, lo que es más complicado, funcionan. En esta ocasión nos acercamos a la Madrid de 2011, en plena explosión del movimiento 15-M y con la visita del Papa a la vuelta de la esquina. En dicho contexto, dos policías, Alfaro (Roberto Álamo), explosivo y violento, y Velarde (Antonio de la Torre), apocado e intuitivo, tendrán que encontrar a un asesino en serie que viola y asesina ancianas. A pesar de ser un thriller sobre asesinos en serie, lo más importante no es adivinar la identidad del asesino, sino los dos personajes principales, su manera de investigar, de vivir, con sus claroscuros. Las interpretaciones de Álamo y de la Torre elevan la película a un gran nivel, tan solo resentida por algún pequeño bache de ritmo. Una buena muestra de la buena salud del thriller patrio.



Una mujer alquila una casa alejada de la ciudad y contrata los servicios de un ocultista para que le ayude a hacer un largo ritual con el fin de hablar con su difunto hijo, pero lo que él irá descubriendo es que ella no ha sido sincero lo que convertirá el ritual en algo muy peligrosos. Esa es la premisa de A Dark Song, una cinta que naufraga por un motivo muy claro, la repetición. Si bien la película mantiene un tono bastante adecuado y se enmarca en un terror de cariz original en algunos pasajes, su estructura de ritual/discusión que se repite ciclicamente acaba bajando el nivel del conjunto y queda como un producto simplemente interesante.

Es muy difícil mantener el interés y la tensión de una película cuando el noventa por ciento de la misma se desarrolla en un escenario reducido y con pocos personajes y pese a su buena voluntad Mine se acaba desinflando en ese aspecto. tras una operación militar que no sale del todo bien un par de soldados huyen y acaban en un desierto minado. El protagonista de la historia, interpretado de manera más que correcta por Armie Hammer, pisa una de ellas y su capacidad de movimiento queda anulada, añadiéndo a eso el mantenerse de pie haciendo presión sobre el mecanismo. A merced de los lobos y el cansacio y con solo la ayuda de un habitante de la zona, sus fuerzas irán mermando hasta un final que no convence, sobre todo tras esa perdida de tensión paulatina.

Documental realizado para la televisión, Dragon Girls! Les amazones pop asiatiques, hace un repaso sobre algunas de las más importantes actrices marciales o que han participado en producciones de acción del cine asiático actual. A pesar del interés, da la sensación de que se ha hecho a base de retazos y entrevistas realizadas al azar y sin nexo común, todo ello aprovechado para dar forma a un documental que no profundiza en nada de lo que comenta, dejando un resultado más anecdótico que otra cosa.


Alemania también quiere su acción al estilo oriental y con Plan B lo consigue en cierto modo. Y es que realmente la película funciona como catálogo referencial, tanto del cine hongkonés, por poner un ejemplo, como de la acción ochentera estadounidense. Buena acción y coreografías acompañadas de un cierto carisma actoral. El problema es que debajo de ese envoltorio no aparece nada más e incluso su duración acaba por agotar dada la poca consistencia de un guión muy flojo y repleto de tópicos. Se podría decir que como tantas otras cintas de acción, y es verdad. Pero no por venir de una cinematografía poco dada a este género la trataremos de manera más condescendiente. Para ver, disfrutar, y olvidar.

lunes, 7 de noviembre de 2016

Crónica Festival de Cine Fantástico de Sitges 2016 - 3ª parte


Mucho se había hablado de Colossal, el nuevo proyecto que tenía en marcha Nacho Vigalondo, utilizando el kaiju eiga como referente. De hecho acabó siendo demandado por la Toho, productora de Godzilla, aunque al final todo acabó bien eliminando cualquier referencia al lagarto gigante y ¿quizás también ambientando una parte de la historia en Corea en lugar de Japón? Sea como fuere, al final y tras pasar por los festivales de San Sebastián y Toronto también se pudo ver en Sitges esta mezcla entre película de monstruos gigantes y comedia. El resultado es francamente aburrido, una historia que sigue todos los pasos del indie estadounidense, (y no el más inspirado) con los típicos personajes perdedores y que intenta aportar un poco de originalidad pero que acaba por cansar.


 En una época de constantes homenajes, y no todos acertados, al cine de los años ochenta, nos encontramos con Beyond the Gates, una deliciosa cinta de terror y fantasía muy digna, divertida, desenfadada y hasta con unos sorprendentes momentos gore. Con la participación de una Barbara Crampton que a sus 58 años continúa siendo una belleza, como se pudo ver in situ. Tras la muerte de su padre, dos hermanos se reencuentran para liquidar el videoclub del progenitor, pero al hallar un juego de tablero con VHS se verán inmersos en una vorágine terrorífica para nuestro deleite.


Planteada como un neowestern, Hell or High Water (Comancheria), se convirtió en una de las sorpresas del festival y a la postre en la tercera película mejor valorada de las que ví. Dos hermanos ladrones de bancos, en realidad antihéroes, se verán perseguidos por un agente de la ley (y su compañero) implacable y tozudo. La impecable construcción de personajes y el retrato que de ellos dan Ben Foster, Chris Pine (en su probablemente mejor papel hasta la fecha) y el gran Jeff Bridges, con un personaje antipático en apariencia  elevan la calidad de la película, apoyada también por una estupenda fotografía que refleja la belleza del Medio Oeste Norteamericano.

Hacer un documental sobre uno de los mejores directores de su generación es harto difícil y si bien David Lynch: The Art Life llega a ser lo suficientemente interesante para dejarse ver, se queda lejos de ser una obra imprescindible.Repasando la obra de Lynch desde su infancia hasta Cabeza borradora, debut del estadounidense en el largometraje, su ritmo lento puede llegar a cansar e incluso aburrir por momentos.



En la época que nos ha tocado vivir encontrar una película de terror que de miedo o incluso inquiete es muy complicado. En el caso que nos ocupa, la británica (de alma iraní) Under the Shadow lo consigue, teniendo incluso varios momentos de sobresalto para que el ésto escribe. Ambientada en la Teherán de la época de la guerra entre Irán e Irak, el terror cotidiano se funde con el típico del cine de fantasmas dando lugar a una atmósfera opresiva. Rodada de una manera sobria y con pulso firme, el tener lugar por completo dentro de un edificio, y especialmente en una casa, o las alusiones constantes al régimen de los ayatolás, multiplican esa sensación opresiva que padecen las protagonistas de la historia. Una de las imprescindibles del festival.

Paul Schrader, aunque a veces no lo parezca, nunca ha dejado de estar activo en su faceta de director, aunque da la sensación de que su genio ha ido menguando con el paso del tiempo. Dog Eat Dog no es una excepción a este mal, pero al menos entretiene e incluso se puede llegar a disfrutar. Quizás sea muy poco pedir al hombre que nos ha regalado obras como Hardcore, El beso de la pantera o los guiones de Yakuza y Taxi Driver, pero así están las cosas. Con un trío de protagonistas pasados de vueltas, Nicolas Cage, Willem Dafoe y Christopher Martin Cook (pese a que se le suele dejar fuera de la ecuación en favor de la fama de los otros dos) y pese a que pudiera parecer lo contrario, es una ayuda para hacerla pasable. Obra menor pero no de lo peor del festival.


Los últimos años nos han traido una moda, la de las nuevas versiones de películas reconocidas que se escudan bajo la apariencia de secuela (o precuela), siendo en realidad versiones actualizadas. Blair Witch es el último cas de esta moda. Camuflada con el título The Woods se presentó el nuevo proyecto de Adam Wingard, hasta que unos meses antes del estreno se revelaría la verdad, estábamos ante una nueva entrega de The Blair Witch Project. En esta secuela-remake el hermano pequeño de la protagonista de la original, Heather, decide volver al bosque para buscar a su hermana. A partir de ese momento veremos la misma película pero con cámaras modernas de todo tipo e incluso un dron. En general, la película es una infamia que no aporta nada al género y que duele más por venir del duo Wingard-Barrett que en los últimos años nos han regalado joyas como Tú eres el siguiente y The Guest.

En los últimos años Mike Flanagan se ha convertido en un nombre de referencia en el cine de terror. Before I Wake (Somnia. Dentro de tus sueños) ha sido mi primera aproximación al cine deldirector y debo decir que ha sido muy desafortunada. Aburrida hasta decir basta, la película pasa de una primera media hora aceptable con algunos momentos de tensión bien logrados a un resto de cinta pueril, previsible y a un final completamente lamentable, que además se ve lastrado por esa perentoria necesidad de explicarlo todo. Para ver y olvidar cuanto antes.


Como una suerte de nueva versión de El malvado Zaroff, Desierto muta de drama social, con un grupo de mexicanos intentando entrar de manera ilegal a los Estados Unidos al thriller axfisiante. Protagonizada por Gael García Bernal como uno de los mexicanos y por un Jeffrey Dean Morgan pre-Negan (aunque su personaje es tan desgraciado como éste) como un supremacista estadounidense que se dedica a matar a estos para evitar su entrada en el país, consigue ser solvente en su factura técnica y entretenida en la parte thriller pero algo maniquea y simplista en su discurso sociopolítico.

domingo, 23 de octubre de 2016

Crónica Festival de Cine Fantástico de Sitges 2016 - 2ª parte

Continuo con las crónicas de Sitges 2016 con la segunda crónica dedicada al cine asiático visto en el festival:

De Malasia, un país no muy prolífico en el certamen, nos llegó Interchange, una historia de asesinatos rituales bastante localista. Ambientada en una Kuala Lumpur alejada de la imagen más glamurosa con estética importada de tantos y tantos thriller anteriores su trama confusa, tanto a causa de las diferencias culturales no muy bien explicadas, como de un manejo confuso de la cámara le restan muchos enteros. La "aparición" del hombre pájaro y el final acaban por lastrar una propuesta no falta de interés pero fallida.

Y de psicópata a psicópata. De Interchange a Psycho Raman. De Malasia a la India. Anurag Kashyap, quién ya tuvo su díptico Gangs of Wasseypur en Sitges, volvía con una adaptación peculiar de la vida de Raman Raghav, un asesino en serie que atemorizó Bombay (o Mumbai) en los años 60. Como explicó el propio director, ante la imposibilidad de hacer una película ambientada en aquella época decidió trasladar la historia a la actualidad y confrontar al psicópata protagonista con un policía de metodos no muy ortodoxos, amén de esnifar cocaina sin freno. Con un prólogo en el que nos presenta el origen de los crímines y de paso presentar a los personajes, Kashyap pasa a un desarrollo algo lento pero no exento de tensión. Alternando el protagonismo de ambos personajes, con una primeraparte de claro predominio por parte del asesino y una segunda por el policía, la recta final y el "reencuentro" de ambos acabará haciendo encajar las piezas correctamente.

Johnnie To es un clásico del festival desde hace ya muchos años, y en el que hemos podido ver el grueso de su filmografía, ya sea mediante estrenos o retrospectivas, como la que se le dedicó en el año 2005. Ahora nos llegaba su último trabajo, Three, un thriller algo diferente a sus clásicos pero con mucha garra y personalidad. Antes de la proyección se proyectó The Weaving of a Dream: Johnnie To's Vision and Craft, un documental / making-of dirigido por Ferris Lin, autor del fantástico Boundless, aproximación al director hongkonés y que tuvimos la fortuna de ver en las Nits de Cinema Oriental del pasado 2015. En este documental lo que vemos es el proceso creativo de Three, tanto a nivel de guión como de realización y si bien es interesante y didáctido dudo que lo adecuado fuera proyectarlo antes de la película. En todo caso y ciñéndonos a la película, todo transcurre entre las paredes de un hospital. Un delicuente ha sido trasladado tras un tiroteo entre la policía y su banda mientras el agente que le custodia (junto con su equipo) deberá  hacer frente a una doctora de grandes convicciones morales mientras intenta averiguar dónde se esconden los demás miembros de la banda. Como es habitual en el cine de To las miradas y la puesta en escena nos transportan dentro de la pantalla. Desde luego no es de las mejores del cineasta hongkonés pero si está por encima de la media de las producciones actuales de su ciudad de origen.

El cine coreano basado en la actualidad nos suele traer críticas sobre la corrupción, las grandes multinacionales, la situación laboral, etc. etc... dentro de thrillers o dramas principalmente. The Tunnel no iba a ser menos y aunque en general es una película de catástrofes en la que un terremoto atrapa a un hombre dentro de un tunel, aprovecha para hacer una crítica contra las construcciones de escasa calidad, la poca empatía de parte de la población y el aprovechamiento de los políticos. Desde luego la profundidad de su crítica no es enorme y el grueso es el drama humano y los (muy buenos) efectos que consigue. Una película para pasar un buen rato pero de no mucho recorrido por la memoria del cinéfilo.

A raíz de Merantau y, especialmente, por las dos entregas de The Raid, ko Uwais se ha convertido en uno de los actores de cine de acción más cotizados en Indonesia y en Asia. En esta ocasión cambia a Gareth Evans por los Mo Brothers y se aleja de la obra de éste, aunque conservando los rasgos del cine de acción. Uwais en esta cinta es el integrante de una banda criminal que ha perdido la memoria lo que provoca que su antigua banda lo busque para ajustar cuentas. Con la ayuda de una bella doctora intenta sobrevivir pero la confrontación resultará inevitable. Como ya había apuntado ni la trama ni la acción tienen nada que ver con The Raid a pesar de que algún espectador le sacará el parecido (por eso de estar Uwais en medio). A pesar de su guión muy justito, la acción espectacular y el saber estar de sus intérpretes consiguen un producto de acción muy digno. Y hoy en día escasean.

¿Qué podía salir mal al combinar dos iconos del cine de terror japonés contemporáneo como Sako y Kayako? Pues muchas cosas, sí. Y eso es lo que corroborámos al salir de la proyección. Obviando el hecho de que tan solo en la recta final asistimos a una descafeinada confrontación entre las dos fantasmas el resto de la cinta no es que nos ofrezca ni terror ni diversión, tan sólo un par de escenas cómicas aceptables y ya está. Pasándose un poco la mitología por dónde les apetece, Sadako vs Kayako no funciona y queda tan sólo como un recordatorio de que el tiempo pasado fue mejor. Quizás realizada en la época de mayor popularidad del género y con alguien más competente a los mandos hubiera funcionado. Quién sabe.

En la época de los mockumentaries o falsos documentales en los en que prácticamente todos los países han aportado su granito de arena no podía faltar un producto indio con ésta premisa. Un equipo de grabación se encuentra realizando un documental sobre un conductor de rickshaw, pero a medida que va conociendo al tipo se va dando cuenta de que algo va mal y se verán metidos en una espiral de locura. Realizada con muy poco presupuesto lo más positivo que podemos decir de Autohead es que se aparta de los falsos documentales al uso y si bien utiliza sus mismas armas, esta separación consigue dotarlo de personalidad y salir airosa con respecto a otras propuestas basadas en el susto fácil o en los giros imposibles de guión. Eso y tener a un Deepak Sampat extraordinario en su papel.

La última película asiática que vi en Sitges, The Mermaid, pasó por ser la más divertida, lo que no era algo difícil sabiendo que Stephen Chow estaba detrás de ella. Película que además tiene el honor de haberse convertido en la más taquillera de la historia de China. Fantasiosa, romántica y sobre todo muy loca, lógico por otra parte, tiene alguno de los momentos más descacharrántes vividos en el festival, como por ejemplo el prólogo o el momento del retrato robot de la sirena por parte de la policía. Un auténtico disfrute que nos transportaba a tiempos pasados. Eso sí, no apto para todos los paladares y en especial a los reacios al mo lei tau, aquí trasladado a la China continental. Y como colofón, el homenaje a la banda sonora de Fist of Fury / Furia oriental que aquí también ejerce como tema principal.